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Ruega por nosotras, de Daniel Monzón

LAS MUJERES BAJO EL YUGO FRANQUISTA.  

“En los tiempos sombríos ¿se cantará también? También se cantará sobre los tiempos sombríos”. 

Bertolt Brecht

Después de la oscuridad, la violencia y muerte que significó el franquismo, su mayor victoria fue el silencio. Un silencio lleno de ruido, de voces supervivientes que durante años han explicado su experiencia, pero que la llamada democracia no ha sabido escucharlas y muchas han quedado en el olvido y sometidas a otra oscuridad. Que, a día de hoy, la mayoría desconozca por completo el Patronato de Protección a la Mujer, una institución que perseguía la moral de las mujeres, imponiendo una represión y encarcelación en centros reformatorios donde eran sometidas a múltiples vejaciones, trabajos sin descanso, doctrina religiosa y privación de cualquier aspecto individual y emocional. Unos centros que desde 1941 hasta 1985 existieron imponiendo su moral católica, fascista y represora. Por eso, el estreno de una película como Ruega por nosotras, ayuda a paliar tanto silencio e impunidad, y hace hincapié en aquello que el arte no cambia las cosas pero si que es una ventana para conocer aquello silenciado. 

El octavo largometraje de Daniel Monzón (Palma, 1968), vuelve sobre su columna vertebral, la de dos personajes antagónicos y de clases sociales muy opuestas que, circunstancias de la vida, se conocen y son partícipes de un mismo destino u objetivo. Recordamos a Malamadre y Juan, el funcionario de prisiones en Celda 211 (2009), Jesú, el poli y el niño aspirante a narcotraficante en El niño (2014), Ignacio y El Zarco en Las leyes de la frontera (2021). Lo mismo pasa con Ana y Sole en la película Ruega por nosotras, coescrita junto a su fiel Jorge Guerricaechevarría (7 films juntos). Siguiendo la estela de los setenta como su anterior película, la acción arranca en la Barcelona de 1974, donde conocemos a Ana de la clase social alta barcelonesa, que sus padres consideran demasiado rebelde y que internan en el centro para reformar su conducta y moral, y Sole, una joven de no sé sabe dónde, con malos tratos a sus espaldas que deambula en busca de un lugar más tranquilo. Dos almas que se conocen y vivirán la encarcelación y represión de las religiosas encargadas de imponer disciplina y oscuridad. No es una película condescendiente ni sensiblera, ni busca esos momentos atroces y descriptivos, sino que construye el relato a través de las dos amigas y las demás adolescentes internadas, mostrando la cotidianidad, su rebeldía, su indomabilidad como la del gran Paul Newman en la célebre película. 

El director fogueado como crítico en Fotogramas y RTVE se ha reunido con parte de su equipo técnico que le acompañan desde los inicios y han trabajado en parte de sus 8 películas como el cinematógrafo Carles Gusi, éste en todas, con un gran trabajo de luz mortecina, propia del norte, donde se desarrolla la historia, casi siempre en las cuatro paredes del centro-cárcel, que recuerda a los trabajos de Luis Cuadrado para Carlos Saura, con el que la película comparte muchos elementos. La música serena, empática y plausible del gran Roque Baños (8 películas), ayuda a contarnos las oscuridades que sufren las protagonistas, y esos leves destellos de luz que tienen. La complicidad de otros cómplices del diseñador de producción Balter Gallart, el arte de Jaime Anduiza, el vestuario de Vinyet Escobar. El montaje lleva la firma de Mapa Pastor (5 películas), que tiene la paciencia para contarnos el relato, lleno de detalles y matices, que no se acelera ni pierde su sereno y preciso ritmo que, si bien la historia se centra en sus dos almas más presentes, la película tiene un reparto coral que no resultaba nada fácil crear ese espacio en desarrollar cada personaje y no caer en excesivos arquetipos que le hubiera restado veracidad en sus demoledores 136 minutos de metraje. 

Mención aparte tiene el brillante reparto que lleva la firma de dos profesionales vitales en este campo como Eva Leira y Yolanda Serrano que han reclutado un elenco magnífico arrancando con Zoe Bonafonte, que ya deslumbró en El 47, y aquí compone una Ana María llena de fuerza y rabia, una rebelde que no se amilana ante las humillaciones de las monjas y siempre se mostrará en pie. Manuela Calle hace de Sole, una actriz rompedora y llena de energía, la antítesis del personaje de Ana, una currada por la vida. Carla Domínguez, María Gandiaga y las demás chicas que dan solidez y profundidad al grupo de encarceladas. Y luego están las monjas con una Adelfa Calvo imponente, bien secundada por Malena Gutiérrez y Belén Cruz, y la joven monja María Cerezuela. En los tiempos que estamos, donde la extrema derecha impone un discurso manipulado donde reivindica el franquismo, este tipo de películas son importantes porque lo contrarrestan con tantas realidades silenciadas y olvidadas, y hacen películas como esta que pueden llegar a muchos espectadores, tantos ignorantes de este pasado terrible tan reciente, y otros que mienten sobre casos como el maldito Patronato que impusó su ley, su moral y su violencia contra aquellas jóvenes que sólo querían ser ellas mismas, y sobre todo, bailar, cantar y vivir en libertad, aunque eso fuese una quimera en aquellos años oscuros y represores del maldito franquismo. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Entrevista a Aritz Moreno

Entrevista a Aritz Moreno, director de la película «Karate», en el hall del Cine Phenomena en Barcelona, el lunes 26 de octubre de 2026.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Aritz Moreno, por su tiempo, sabiduría y generosidad, y a Sandra Ejarque de Revolutionary Comunicación, por su tiempo, cariño, tiempo y amabilidad.  JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Esta soledad, de Javier Giner

CUERPOS EN DUELO. 

“Si te marchas hazlo con ruido. (…) Hazlo como quieras, pero hazlo con ruido. No me dejes a solas con mi silencio”

Extracto del poema “Ruido”, de Elvira Sastre 

La película se abre con Leo, interpretando un monólogo sobre la historia de un payaso. Sin música, sin adornos y a pelo arranca Esta soledad, la ópera prima de Javier Giner (Barakaldo, 1977), que conocemos por su magnífica serie Yo, adicto, (2024), donde escenificaba su propia experiencia como adicto. La historia empieza de forma muy reveladora, porque el mencionado Leo está ahí, sólo y frente al público, sometido a las miradas de los espectadores, que somos también nosotros. Un inicio sin concesiones, a lo bruto, de forma cruda que resultan unas credenciales que seguirán el resto de la película, en el que seremos testigos directos de la vida de Leo, y también de Lorea. Los dos han sido pareja durante cinco años y han roto. El relato no explica los motivos ni las razones, sólo nos cuenta, que no es poco, lo que viene después del amor, los días y meses después, los que hay que seguir con nuestras vidas a pesar de todo, a pesar de la vida, del amor, del trabajo o no, de las ilusiones perdidas que hay que volver a encontrar o no. Seguir a no sé sabe dónde y de qué forma. 

Escrita por el propio director y Luisa Matienzo, amén de productora ejecutiva, con un largo recorrido en la producción de películas de autores tan prestigiosos como Isaki Lacuesta, Arturo Ripstein, Agustí Villaronga, entre otros. Un guion que nos explica detalladamente la cotidianidad de dos seres rotos, componiendose y deshaciéndose a cada instante, cada uno por su lado, arrastrando trabajos sin futuro y sin alma, sometidos a unas existencias precarias, acarreando uno la enfermedad del padre y la desilusión de no avanzar en su amor como actor, y la otra, almacenando trabajos por llamarlos de alguna forma, y en plena crisis creativa como escritora. Dos vidas, dos instantes y sobre todo, dos formas tan ajenas y parecidas de afrontar el desamor, en los vacíos, silencios y soledades que quedan después del amor, o de aquello que hubo entre dos personas. Dos almas en suspenso, o dicho de otra manera, dos almas que no se reflejan en los espejos, y si lo hacen, no se reconocen. Giner los sitúa en un Bilbao de cielo plomizo, grisáceo y con ese pasado industrial que ha dejado esas calles y lugares ennegrecidos y con vidas ajadas. Esta soledad es una película muy incómoda, porque filma todo aquello que duele, que hace daño, que rompe, en una eterna descomposición de las ideas, ilusiones, cuerpos y emociones.   

La excelente cinematografía de Lali Rubio, que la hemos visto en cortometrajes de Claudia Costafreda, y en series como Cardo, Los años nuevos y Vestidas de azul. Una cámara que los acerca, los penetra y los sigue incansablemente, con un trabajo de color tenue, apagado y lleno de grises, que aplasta las vidas de los protagonistas, con algún resquicio de luz, porque a pesar de la oscuridad y de sus existencias detenidas y sin rumbo, siempre hay momentos, escasos, entre los que la esperanza hace acto de presencia, ya sea a través de amigos, de pasados que se vuelven presentes y sorpresas en forma de tablas de salvación, o al menos así lo creen. La música de Claudia Torrente, de la que conocemos sus trabajos en Chavalas y La memoria de las mariposas, entre otros. Una composición que ayuda a la reconstrucción de esas vidas, esos cuerpos y esos individuos que deambulan por sus existencias como si la cosa no fuese con ellas, intentando agarrarse a todo aquello que era sus vidas antes de todo, antes que se convirtieran en otros. Sin olvidar esos solos de trompeta del propio Pla que son oro puro. El montaje de Roberto Bra, que ya estuvo en la citada Yo, adicto, amén de otras series como Delta, es un trabajo excelso, donde se mezcla el corte puro con secuencias más largas, evidenciando esa vida abrupta y compleja en el que se han instalado los personajes, que hacen y deshacen como pueden y como saben, de formas torpes, perdiéndose y sobre todo, en sus propios laberintos y engaños. 

En el campo interpretativo, el director vasco vuelve a reunir a Oriol Pla y Marina Salas, brillantes en sus roles, que ya estaban en Yo, adicto, siendo los Leo y Lorea componiendo estos dos náufragos sin islas donde caer, llevados por una balsa de diversos materiales, según el momento, y ataviados por unas vidas que arrastran como pueden, llenos de silencios, vacíos y soledades que intentan reconstruir con amigos, familia y pasados. Los acompañan Gemma Martínez, como otra isla difícil, Kai Etxaniz, otro personaje del pasado, Itziar Lezcano, una madre liberada y tranquila, y otros personajes que hacen Miren Gaztañaga y Mikel Bustamante, entre otros. Esta soledad tiene el aroma del mejor cine británico humanista que hacen Mike Leigh, Frears y el primer Loach, donde se reivindica los sentimientos y las ilusiones de la maltrecha working class, y el cine vasco de los ochenta que hacían Uribe en La vida de Mikel y Armendáriz en 27 horas, y de algunos personajes de Antonioni, quizás el director que mejor ha investigado las soledades y vacíos de los amantes sin amante. El director Javier Giner, con sus dos trabajos, demuestra su gran capacidad para retratar a los seres descompuestos y rotos, y acercarse sin florituras ni sensiblerías, sino de frente y muy sensible a sus realidades tan complejos y oscuras, adentrándose en todos aquellos lugares y no lugares incómodos, que duelen mucho y sobre todo, están llenos de sombras y reflejos deformantes llenos de amargura, de dolor y de silencios y vacíos. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Entrevista a Laura Citarella

Entrevista a Laura Citarella, directora de la película «Trenque Lauquen», en el marco del U22. Festival de Cinema Jove de Barcelona, en la terraza de la cafetería de la Fundació Joan Miró en Barcelona, el sábado 20 de septiembre de 2025.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Laura Citarella, por su tiempo, sabiduría y generosidad, a Óscar Fernández Orengo, por retratarnos con tanta belleza, y al equipo de comunicación del festival, por su tiempo, cariño, tiempo y amabilidad.  JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

La tarta del presidente, de Hasan Hadi

ÉRASE UNA VEZ EN… IRAK. 

“Si mal no recuerdo, la infancia consistía en tener ganas de aquello que no se podía conseguir”. 

Audur Ava Ólafsdóttir

A finales de los ochenta apareció ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987), de Abbas Kiarostami, en el que a través de una sencilla y profunda historia sobre dos niños, se retrata el estado de ánimo de un país como Irán. Se abrió una forma diferente de hablar de ciertos temas incómodos y políticos a través de la mirada de la infancia. Le siguieron El globo blanco (1995), de Jafar Panahi, con guion del citado Kiarostami, y otras cómo Buda explotó por vergüenza (2007), de Hana Makhmalbaf, que dejaron miradas sensibles e interesantes de una población que sobrevivía en situaciones muy difíciles con la mirada de una infancia que reflejaba todo ese desgarro emocional. Un cine muy aplaudido internacionalmente que traspasó fronteras y derribó estereotipos occidentales en pos a un cine humanista que se acercaba de frente y de forma natural a los conflictos internos que sufría la población iraní. 

La ópera prima del iraquí Hasan Hadi, La tarta del presidente, está muy emparentada en ese cine iraní con niños porque su protagonista, Lamia tiene 9 años y en pleno régimen de Sadam Hussein, en los años noventa, su maestro le encarga que haga el pastel del cumpleaños del dictador. En ese instante, empieza una odisea para la niña en la ciudad de Bagdad, con la ayuda de su inseparable amigo Saeed, y su gallo Hindi, en la que irán de aquí para allá, intentando reclutar los ingredientes de la citada tarta. Los niños ayudan a retratar un país lleno de escasez, restricciones, en estado de alerta de guerra permanente y demás destrozos físicos y anímicos. El cineasta nacido en Najaf, al sur de Irak, nos sitúa a la altura de la mirada de Lamia, y nos explica los acontecimientos que la niña experimenta desde su inocencia e ignorancia en un mundo ajeno para ella, donde todo se mueve demasiado rápido y es imposible de entender. Estamos en una especie de “Alicia en el país de las maravillas” en el que hay mucha crudeza, suciedad y violencia, pero sin entrar en esa explicitud que hubiese restado al contenido de la historia, situándonos en ese espacio de testigos en el que no hace falta verlo todo para entender.

Resulta muy admirable la luz natural, cercana y transparente que firma el cinematógrafo rumano Tudor Vladimir Panduru, que tiene en su haber más de 27 títulos junto a directores tan importantes como Cristian Pungiu, Cristi Puiu, Radu Muntean y Selman Nacar, entre otros. Una luz que penetra en cada rincón a través de la mirada despierta e intensa de Lamia, explorando las miserias de una sociedad que oculta sus oscuridades y verdades. El montaje lo hace otro rumano Andu Radu, el colaborador más estrecho del mencionado Rau Muntean, con el que ha trabajo en seis ocasiones, en una edición que mantiene la incertidumbre y lo laberíntico en toda la acción en sus intensos 102 minutos de metraje que nos va atrapando a base de sencillez, alejándose de lo estridente y lo convencional, y adentrándose en territorios más complejos, menos evidentes y más de verdad. No podemos olvidar el impecable trabajo de sonido del hungaro Tamas Sanji, que ha trabajado en El hijo de Saúl y Atardecer, ambas de László Nemes, consiguiendo acercarnos de manera directa y sin concesiones, a todo lo que escuchamos, se vea o no, lo cuál nos hace estar más adentro de todo lo que se cuenta. 

Como solía ocurrir en las películas citadas iraníes, el reparto está lleno de intérpretes naturales, como la pareja de niños que hace Baneen Ahmed Nayyef como Lamia, que nos recuerda a Razieh, la niña de 8 años que protagonizaba El globo blanco, y Sajad Mohamad Qasem es Saeed, Bibi lo hace Waheed thabet Khreibat y Rahim Aihaj es Jasim, y muchos más. Unos actores que se convierten a base de honestidad y una gran naturalidad que nos lleva a sus situaciones complejas y aquel aire prebélico en el que se desarrolla el Irak de entonces. No deberían perderse una película como La tarta del presidente, de Hasan Hadi, porque verán que siempre hay un espacio para hablar de la violencia y el dolor y además, dejar el espacio necesario para la reflexión, para conocer la cotidianidad de todos aquellos que vivían en aquel Irak, bajo el terror del dictador, como por ejemplo, una niña con pocos recursos que debe ir a la capital para hacer un pastel a alguien que no conoce y le obligan a rendir pleitesía, como demuestran las imágenes de la escuela. Una película magníficamente filmada que tiene momentos muy duros y bellos, como los viajes en barca de los niños en su ir y venir por su pueblo que rodea un río. Una película que evidencia que la textura más frágil del cine sigue intacta y la emoción puede aparecer con lo más mínimo, con una niña caminando por unas calles, con su gallo y detrás de un poco de azúcar, huevos y leche. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Encuentro con Richard Linklater

Encuentro con Richard Linklater, director de la película «Nouvelle Vague», en los Cines Verdi en el marco del BCN Film Festival,  el viernes 26 de abril de 2024.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Richard Linklater, por su tiempo, sabiduría y generosidad, a la inmensa labor de la intérprete Sílvia Palà, y al equipo de comunicación del festival, por su tiempo, cariño, tiempo y amabilidad. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Entrevista a Marc Ferrer y Toñi Vargas

Entrevista a Marc Ferrer y Toñi Vargas, director y actriz protagonista de la película «Reír, cantar, tal vez llorar». en el domicilio de Toñi en Barcelona, el sábado 14 de diciembre de 2024.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Marc Ferrer y Toñi Vargas, por su tiempo, sabiduría y generosidad y cariño.  . JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Rondallas, de Daniel Sánchez Arévalo

TODOS JUNTOS AHORA. 

“La música expresa lo que no puede ser dicho y aquello sobre lo que es imposible permanecer en silencio”. 

Víctor Hugo

El universo cinematográfico de Daniel Sánchez Arévalo (Madrid, 1970), se compone a partir de un hecho doloroso que define, no sólo a los personajes que tiran del carro, sino que estructuran a todo un grupo, sin olvidar el humor que ayuda a tragar toda la dura situación. Después de un buen puñado de cortometrajes que lo pusieron en primer plano, debutó con la muy estimable Azul Oscuro Casi Negro (2006), le siguieron Gordos (2009), Primos (2011), y La gran familia española (2013), Diecisiete (2019), que junto a la citada Primos agrupan una especie de díptico sobre los jóvenes parientes en busca de un imposible a través de un viaje por la provincia de Santander (lugar de nacimiento del padre del cineasta que no es otro que José Ramón Sánchez, famoso ilustrador que amenizó en el inolvidable “Sabadabadá” las mañanas ochenteras de muchos de nosotros) que les ayuda a superar dramas pasados. En Las de la última fila (2022), también la travesía ayudaba a unas amigas a enfrentarse a la enfermedad. 

En Rondallas no deja el norte, porque se traslada un poco más a la izquierda, más concretamente, a la ría de Vigo, a uno de sus pueblos y a sus gentes, en el epicentro de la rondalla “Gran Sol” (como la famosa novela de Ignacio Aldecoa, que relata las duras condiciones de los pescadores santanderinos), en la que conocemos a Luis que, junto a Yayo, son los supervivientes de un barco pesquero que naufragó hace 2 años dejando viuda a muchas de las mujeres, entre ellas, a Carmen, que mantiene una relación con el citado Luis, y mantiene una relación difícil con sus dos hijas, la adolescente Noa y la pequeña Noa. En ese estado de duelo y depresión en el que pasan los días duros entre percebes y otros trabajos recordando a los que no están y esperando que aparezca el barco perdido. La “Rondalla” es el viaje en esta película, agrupaciones de música a partir de gaitas, carracas y demás objetos que continúan vivo el folklore y la tradición en un concurso que elige la mejor de la provincia. Una rondalla que revive como terapia para recordar a los ausentes y volver a vivir para los que sí están, enfrentada a las dificultades de unos y otros, donde seremos testigos de los problemas internos con los que lidia cada uno de los personajes.   

La parte técnica de la película brilla con intensidad capturando ese cielo plomizo tan característico del norte, que le viene como anillo al dedo a los atribulados personajes que arrastran su particular tragedia, como evidencia su estupendo prólogo. La cinematografía concisa de Rafa García, del que hemos visto comedias como Mala persona y los dramas Escape, y la reciente de La tregua. La estupenda música que interpreta la rondalla, tan potente y enérgica es compartida con la magnífica soundtrack que ayuda a situarnos en el estado emocional lleno de altibajos por el que pasan los diferentes personajes, que firma el argentino Federico Jusid, con más de 130 trabajos en su filmografía junto a Campanella, León de Aranoa, Larraín, Borensztein, Erice y la reciente serie El eternauta. El montaje corre a cargo de Miguel Sanz, del que hemos visto Canallas, de Daniel Guzmán, en su segunda colaboración con el director después de la mencionada Diecisiete. El montaje es sobrio y nada complaciente, y describe con detalle y precisión las situaciones emocionales y sobre todo, las relaciones que se van generando en sus casi dos horas de metraje. 

Un reparto muy bien escogido y mejor interpretado, como suele ser marca de la casa en el cine del madrileño-cántabro, sino recuerden los ya citados. Aquí tenemos a un tótem como Javier Gutiérrez, un asturiano metido en Vigo, dando vida a Luis, un tipo que debe vivir contra un fantasma que era su mejor amigo y además, es el alma mater de este grupo y de la dichosa rondalla que usa como acicate para levantar muchas cosas. A su lado, están los gallegos empezando por María Vázquez, una actriz que mira muy bien. Su Carmen es una mujer rota que quiere salir del pozo, poco a poco, eso sin miedo. Están los jóvenes Judith Fernández, que la vimos en La casa entre los cactus, y Fer Fraga, visto en la serie Rapa, que tienen sus cosas entre gaitas y egos y secretos. Otra pareja, esta vez de hermanos, que interpretan los fabulosos Tamar Novas, en un personaje que crecerá mucho durante la película, y Xosé A. Tourián, en un rol muy alejado del que hacía en las dos comedias sobre Cuñados. También está Marta Larralde, una actriz que maneja muy bien los registros de sus personajes, y el veterano Carlos Blanco, visto en mil y una, en uno de esos personajes lobo de mar que escenifica mucho el sentimiento de derrota y dignidad de la existencia. 

Los espectadores no deberían acercarse a ver Rondallas como un mero entretenimiento sin más, porque se perderían las estupendas virtudes que atesoran sus imágenes como la fusión entre cine con vocación comercial que cuenta una historia social y de verdad, llena de personajes de carne y hueso y de tramas duras pero no condescendientes. También, encontramos esa mezcla entre el drama cotidiano que se remueve entre las paredes de casa enfrentado a la alegría, la emoción y la vitalidad que desprenden los ensayos de la rondalla, cogiendo el tono y la atmósfera que desprende cierto tipo cine británico como Tocando el viento y Full Monty, entre otras. Una música llena de fuerza y pasión, y la idea de conjuntar una comunidad azotada por la tragedia, en que la música actúa como terapia reveladora para sacar los dramas personajes y exponerlos a través del arte y la forma de transmitir que tiene cada uno. Seguramente estamos ante la película más conseguida de Daniel Sánchez Arévalo y no lo digo porque se acaba de estrenar, sino porque la la energía que desprende cada fotograma contagia de energía, pasión y emoción desbordante en los momentos donde los personajes se difumina y aparece la rondalla, o lo que es lo mismo. la comunidad todos a uno viviendo, danzando y disfrutando la música y todo lo que llevan en el interior sale con fuerza y las cosas se ven menos duras y jodidas. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Entrevista a Ana Endara

Entrevista a Ana Endara, directora de la película «Querido Trópico», en el hall del Cinema Maldà en Barcelona, el lunes 29 de diciembre de 2025.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Ana Endara, por su tiempo, sabiduría y generosidad, y a Andrés García de la Riva de Nueve Cartas Comunicación, por su tiempo, cariño, tiempo y amabilidad.  . JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

El extranjero, de François Ozon

EL CRIMEN DE MEURSAULT.  

“Se preguntó entonces a sí misma si me quería, y yo, yo no podía saber nada sobre este punto. Tras otro momento de silencio murmuró que yo era extraño, que sin duda me amaba por eso, pero que quizás un día le repugnaría por las mismas razones ”. 

De la novela “El extranjero” (1942), de Albert Camus 

Las tres últimas películas de François Ozon (París, Francia, 1967), se ejecutan a partir de un crimen: en Mi crimen (2023), una aspirante actriz se ve involucrada en el asesinato de un famoso y odioso productor en el París de los treinta. En Cuando cae el otoño (2024), la cosa gira en torno a una abuela, su hija y su nieto y unas setas tóxicas. Dos películas y dos tonos diferentes. La comedia vodevil de la primera, y la cotidianidad y lo oscuro de la segunda. Ahora toca el turno de El extranjero (“L’étranger”, en el original), basada en la novela homónima de Albert Camus (1913-1960), publicada en 1942 por uno de los padres del existencialismo, el absurdo y el sinsentido de la vida, que ya fue llevada al cine en 1967 con el mismo título y dirigida por Luchino Visconti y protagonizada por Marcello Mastroianni. 

En El extranjero, con un guion del propio director con la colaboración de Philippe Piazzo, con el que ha trabajado en 6 películas, el director parisino hace una adaptación fiel a través de su enigmático protagonista Meursault, el oficinista que vive en el Argel francés de los treinta. Un arranque que nos retrotrae al de Casablanca, con dibujos e imágenes de la época para situarnos en una ciudad de franceses e indígenas en las que el citado tipo vive sin más, trabaja, va de aquí para allá pero sin el menor atisbo de esperanza o mera ilusión como demuestra en el contundente arranque en el entierro de su madre, hecho que le resignifica a lo largo y ancho de la trama. Ozon que se ha labrado una interesante filmografía a lo largo de sus 24 títulos en veintisiete años desde que debutara en Sitcom (1998), en la que se ha detenido en lo oculto de la psique humana a través de unos personajes rebeldes y nada convencionales que desean lo imposible, o quizás, lo que menos se ve, aquello que se anhela desde lo más profundo del alma. Su Meursault no está muy lejos de algunos de sus personajes, aunque el citado personaje de Camus podría ser el retrato más complejo y apático que ha hecho en todo su cine, porque lo encontramos cercano y a la vez, muy distante, porque no logramos saber que siente y mucho menos porque hace lo que hace. En realidad, es tan misterioso y oscuro como podemos imaginar, alguien demasiado honesto e indiferente en una sociedad donde todo es superficialidad y aparentar. 

El cineasta francés ha vestido su encuadre con un magnífico, cálido y pesado blanco y negro que firma el cinematógrafo Manuel Dacosse, que ha trabajado junto a Hèléne Cattet, Bruno Forzani y Lucile Hadzihalilovic, amén de 5 películas con Ozon. Sus planos llenan cada espacio y se mueven entre la belleza y lo oscuro de la cotidianidad y sobre todo, del alma de Meursault, en una especie de limbo donde lo absurdo de la existencia humana se desprende de una soledad demasiado dura. La música de Fatima Al Quadri, de la que conocemos sus trabajos para Atlantique, de Mati Diop, y La abuela, de Paco Plaza, escenifica esa dualidad por la que se mueve el protagonista, una faceta que ha explorado enormemente en su cine el director galo. El montaje de Clément Selitzki, del que hemos visto sus trabajos con el director Nicolas Bedos en Los amantes del engaño y Alphonse, es metódico, lleno de intensidad y muy físico, en que seguimos incansablemente la inexistencia del personaje principal, que sigue su vida como si nada, abatido en una especie de ensueño falso, a partir de una ilusión inventada y sobre todo, sintiéndose un extranjero de sí mismo en una sociedad en la que no encaja, que va de prisa y no significa nada y que hace pero no siente nada, en una sociedad desesperada por que todo siempre tenga un sentido. 

El reparto de la película, como suele suceder en el cine de Ozon, brilla con intensidad, sobre todo, en los detalles, en todo aquel submundo que no vemos pero está ahí, y no resultaba tarea nada fácil encontrar al actor que encarnará al protagonista y se ha encontrado en la mirada y el cuerpo de Benjamin Volsin, que ya nos deslumbró en Las ilusiones perdidas, otro personaje cumbre de la literatura francesa escrito por Balzac. El parisino se mete en la piel de Meursault, en una composición de altura, nada impostada en el que transmite esa desidia y ausencia de su personaje, que vimos en Verano del 85, de Ozon. Le acompaña una sensible y bellísima Rebecca Marder, que estuvo en la mencionada Mi crimen, siendo Marie que conoce al protagonista. Pierre Lottin es un vecino metido en problemas que vimos en la citada Cuando cae el otoño, haciendo un personaje también esencial en la trama. El gran Denis Lavant se mete en la piel de otro vecino que se pelea con su perro. Swann Arlaud es un sacerdote que tendrá su encuentro con el susodicho que tendrá su importancia capital en la historia. Jean-Charles Clichet es otro de los intérpretes que aparecen en la película. 

La empresa de adaptar la novela no resultaba nada sencillo para un cineasta como François Ozon, pero la cosa no ha ido mal, todo lo contrario, porque la película sabe captar el alma y la esencia del libro de Camus, y situarnos en la piel de un Meursault que no resulta un personaje que guste, y tampoco disguste, quizás en esa indiferencia, pero no tanto, en una especie de limbo en el que no sabemos si nos agrada o no, o tal vez, no nos gusta porque, en realidad, conocemos que su forma de estar y no relacionarse con la sociedad y el resto tiene mucho que ver con esa estupidez y sin sentido en el que nos vemos cada uno de nosotros en nuestras torpes y vacías existencias, o podríamos decir y citando a Rebecca Solnit, la inexistencia de la que habla en sus memorias, porque como le sucede a Meursault y su crimen del que será juzgado, o no, porque el estado francés colonialista, clasista (como se evidencia en el cine sólo para franceses), y explotador, deviene una forma de ley donde no se espera que seas libre para sentir, sino que sientas lo que está aceptado socialmente, o simplemente, lo que toca en cada momento, sometidos a una moral donde no importa la verdad de cada uno, sino lo que se debe hacer para ser uno más en la sociedad, alineado y sensible a lo que toca, no a lo que uno siente de verdad. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA