L’ALTERNATIVA 23: IDENTIDADES Y DIÁLOGOS CON LAS IMÁGENES

El pasado domingo 20 de noviembre hecho el cierre la edición número 23 de l’Alternativa, certamen plenamente consolidado en el panorama cinematográfico de la ciudad, sigue manteniéndose fiel a un estilo marcado por un cine diferente, nacido en los márgenes de una industria demasiado obsesionada en embellecerse y dar la espalda a la reflexión y el conocimiento del mundo en el que vivimos, alejándose de las realidades del hombre y su tiempo. L’alternativa propone cine resistente, cine furioso y lleno de energía, un cine venido de diferentes lugares del mundo, heterogéneo en su esencia, pero cercano en su materia. Unos trabajos muy necesarios que nos muestran realidades complejas, oscuras y tremendamente vivas, orgánicas y sinceras. Cine con espíritu dialoguista que huye de convencionalismos, y construido en base a una identidad muy personal que lo hace muy reivindicativo, profundo y bello.

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Mi viaje por la 23 edición arrancó en la sección oficial con BEIN GDEROT (BETWEEN FENCES), de Avi Mograbi. El director israelí continúa con su compromiso social, político y cultural en el que propone diferentes formas de entender su entorno y los conflictos que se generan. Ahora, nos encierra en Holot, un centro en pleno desierto de inmigrantes africanos a la espera de asilo. Su propuesta se asienta en un taller de teatro en el que los propios internos escenifican su propia vida y de esta manera extraen sus propias reflexiones y sobre todo, una herramienta para mirar al futuro con optimismo. Mograbi arranca el experimento con los africanos pero a medida que avanza el metraje, incluye a los propios israelís que participan en el taller, creando un paisaje homogéneo en el que todo se mezcla y el otro, o la idea que se tiene del extranjero, se reformula convirtiéndose en alguien que no está tan lejos y se encuentra muy próximo a uno mismo. Seguí con PAULA, de Eugenio Canevari. El cineasta argentino debuta en el largometraje con un relato intimista y muy cercano, en el que ahonda en las relaciones sociales mediante la diferencia de clases, en el que sigue la cotidianidad de una joven que cuida a los hijos de una familia burguesa impertinente y estúpida, que al quedarse embarazada de un paria se ve abocada a solicitar ayuda a sus patronos que se la niegan, y así arranca un periplo vital en el que la joven se siente cada vez más sola y aislada. Con reminiscencias al cine de Albertina Carri, Lucrecia Martel y Lisandro Alonso, la película indaga de forma sencilla y con una utilización ejemplar del encuadre y el fuera de campo, de una realidad incómoda y sucia que estructura la degradante condición del marginado en el capitalismo.

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MIMOSAS, de Oliver Laxe. Una de las películas más esperadas del certamen que levantó ánimos contradictorios y semejantes. La segunda película del director gallego afincado en Tánger, después de su sonado debut Tóts vós sodes capitáns (2010). En esta ocasión, se ha marchado a las planicies y llanuras del desierto rocoso de la cordillera del Atlas, para contarnos una aventura épica sobre la fe y el destino de uno mismo. A través de un estilo minimalista y muy cercano, Laxe consigue sumergirnos en la ensoñación de unos hombres en eterna búsqueda de algo que de sentido a sus existencias, aunque seguramente, no lo encontrarán, y deberán mirar hacia dentro de ellos mismos para obtener esas respuestas que tanto ansían. El cine de Herzog y el western crepuscular se manifiestan en una película con ritmo cadencioso que nos descubre a un director que sigue en su búsqueda de formas y representaciones de un cine nacido desde las entrañas. HAVARIE, de Philip Scheffner. La película ganadora del certamen, propone un análisis profundo y reflexivo sobre el mediterráneo y su historia. A través de un vídeo de youtube que dura tres minutos, en el que observamos una frágil embarcación con inmigrantes, que ralentizado que serán las imágenes que componen la película del realizador alemán que añade diferentes conversaciones de toda el micorocosmos relacionado con el mediterráneo, en las que traza la historia convulsa del mar, desde sus primeros viajeros a la caza de conquistas y tesoros, hasta los inmigrantes que arriesgan sus vidas para llegar a la Europa del bienestar y la tranquilidad. Escuchamos policías, inmigrantes, turistas y demás personajes que pueblan ese universo que lleva a tantos a desaparecer y a otros, a disfrutar de sus aguas. Fuertes contrastes de un mundo cada vez más alejado de sí mismo, y podrido, en el que la humanidad se ha transformado en un espejo deformante en el que el reflejo ya no se vislumbra.

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BEHEMOTH, de Zhao Liang.  El realizador chino nos traslada a un mundo desértico, lleno de llanuras y rampas de vértigo, plagado de hombres y mujeres ennegrecidos por el carbón y otros minerales, que trabajan en condiciones extremas extrayendo los materiales para empresas mastodónticas que se hacen de oro. Los trabajadores hablan a la cámara y explican sus vacías existencias. Cercano a la mirada de los trabajadores del cineasta Michael Glawogger, Liang nos interpela directamente hacía ese capitalismo atroz y devorador que construye sin parar con la necesidad imperiosa de seguir produciendo para aumentar sus beneficios económicos a costa de quién sea y triturando los recursos naturales y provocando efectos desastrosos para el planeta. Dentro de un estilo minimalista y consiguiendo imágenes de una belleza que duele, finaliza este viaje a la sinrazón, en las infinitas avenidas de un barrio plagado de rascacielos donde no vive nadie, en un estado vegetativo y de ruina posmoderna vacía de humanidad. Para finalizar me dejé llevar por COMO ME DA LA GANA II, de Ignacio Agüero. El cineasta chileno como hiciera hace treinta años en la que hablaba con los directores chilenos sobre la dificultad de filmar en Chile en plena dictadura, de la que rescata diversas imágenes de aquel trabajo, nos sumerge ahora, valiéndose de la misma estructura, en un ejercicio en el que vuelve a hablar con los directores chilenos que se encuentran en pleno proceso de rodaje, y les formula la cuestión de lo cinematográfico, excusa que le sirve a Agüero para profundizar en la representación cinematográfica y hacer un retrato profundo sobre la creación artística y sus dificultades, llevándonos por diferentes lugares de la geografía de su país y dialogando, no sólo con cineastas, sino también con transeúntes que pueblan los diferentes paisajes que visita.

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En la sección Panorama que recoge los trabajos más interesantes producidos en el terreno nacional me acerqué a  GURE HORMEK (NUESTRAS PAREDES), de Maider Fernández Iriarte y Maria Elorza. Pieza de 16 minutos en la que las jóvenes directoras vascas nos invitan a penetrar en las vidas de las mujeres de sus vidas y entorno, a través de la información que nos transmiten las paredes. Una película llena de humor, en la que su sencillez y la magia de sus historias nos transportan a otros lugares y escenarios que han marcado la vida de estas mujeres, como la guerra, el miedo, la ilusión y la extrañeza de unas vidas que no tienen tiempo ni lugar. También, destaco LAS VÍSCERAS de Elena López Riera. La realizadora de Orihuela vuelve a su pueblo natal para enfrentarnos a las tradiciones que siguen manteniéndose y que forman parte de la idiosincrasia de sus habitantes. En su anterior y celebrado cortometraje Pueblo, nos mostraba a una joven que volvía a su Orihuela y no encontraba su lugar en un ambiente que le era ajeno y lejano. Ahora, nos sumergimos en una tarde de verano calurosa en el que unos niños asisten a la muerte de un conejo, dentro de un estilo cercano al documental, en el que la observación deviene una reflexión sobre las costumbres ancestrales y los diferentes ritos que siguen perviviendo en nuestra sociedad. Y finalmente, CC1682, de David Reznak. Autor del celebrado documental La osa mayor menos dos, en el que se sumergía en la cotidianidad de un psiquiátrico, ahora, se adentra en la terrible situación social de Malí, para profundizar y analizar las devastadoras consecuencias del capitalismo en la realidad africana. Con un tono cercano y naturalista, Reznak habla con los habitantes malienses que nos explican los conflictos generados por la situación de desempleo y falta de oportunidades en los ámbitos relaciones con la subsistencia de recursos naturales, derivados por la sangrante utilización por parte de empresas extranjeras (francesas en su mayoría), en la que se hace un recorrido desde la época colonialista hasta la actualidad, donde el colonialismo solamente ha cambiado de denominación, pero sigue manteniendo unas prácticas desarrollistas en contra de la población de Malí. Un trabajo que recuerda al cine de Rouch o Saubert, en su acercamiento a mostrar la realidad africana desde su idiosincrasia, sin adornos ni sentimentalismos, retratando su complejidad y sus eternos problemas provocados por el invasor sin escrúpulos.

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Del estupendo y estimulante ciclo de Maurice Pialat que se sigue llevando a cabo en la Filmoteca de Catalunya doy buena cuenta de PASSE TON BAC D’ABORD, en la que el genio francés hace un retrato de aquella juventud francesa de 1978, más concretamente en la oscura, aburrida y fría Lens, una ciudad industrial sin más allá. Pialat sigue fiel a su estilo, su tono documental y su fealdad en describir la cotidianidad de unos chicos abocados a una vida rutinaria y cotidiana, como la de sus padres, pierden su tiempo entre el sexo, las drogas y la diversión porque si. Una película cercana que profundiza en los conflictos entre las relaciones de adolescentes con profesores y padres, en esa difícil convivencia y sobre todo, en la falta de expectativas de una vida diferente y alejada de la triste realidad de una ciudad fea y proletaria. También, pude ver NOUS NE VIEILLIRONS PAS, en la que Pialat retrata las idas y venidas de una pareja que no saben vivir el uno sin el otro, pero tampoco con ellos. El retrato de la energía que acompaña a estos (des)enamorados que parecen quererse a rabiar, y al momento, parecen odiarse hasta la muerte. El cineasta francés continúa fiel a su estilo, la fealdad que acompaña a sus personajes es patente, los mantiene en continuo movimiento, no les deja respirar, a cada instante están haciendo cosas, la cámara los sigue sin descanso, provocando esa sensación de agobio que parece presidir las vidas de estos seres que ni saben ni intentan mantener un amor que les ayude a seguir con la persona que se supone que quieren.

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El Hall sirvió de escenario a la proyección de piezas en el que el tema de debate era el turismo de masas. En esta ocasión, seguí con expectación la presentación de IDRISSA, la nueva película de los responsables de la imponente y desgarradora Ciutat Morta, que destapaba uno de los casos más flagrantes de corrupción policial en Barcelona. Ahora, los integrantes del colectivo Metromuster emprenden su investigación de la muerte de un joven guineano inmigrante en el Centro de Inmigrantes de Zona Franca, y siguen su viaje a la inversa para conocer sus orígenes y componer su propia identidad desaparecida en la Europa del “bienestar y la solidaridad”. La presentación estuvo acompaña de las canciones de una joven guineana que servía de contrapunto a las explicaciones que tanto ella, como los integrantes de Metromuster nos iban acercando al espíritu que recorrerá su nuevo trabajo. Finalmente, me acerque a la conversación que mantuvieron el crítico Manu Yañez con el guionista Santiago Fillol, que bajo el título “Cinema i Èpica: Rodatges que no caben en les butxaques de la nostra experiencia., nos hablaron del rodaje de Mimosas, de Oliver Laxe, mediante explicaciones y la lectura por parte de Fillol del diario de rodaje que fue escribiendo. Una sesión francamente interesante y reflexiva repleta de grandes instantes, de la sutil ironía y espíritu libre en los textos de Fillol, que nos transporta a la materia orgánica de la cotidianidad de un rodaje que lo más vivido y pensado es aquello que se vive en ese instante, que la película acaba adquiriendo de una forma espiritual. Y hasta aquí mi periplo por l’Alternativa 23, que sigue más enérgica, más audaz, y provocadora que nunca, ofreciendo un cine que gustará más o menos, pero que sigue fiel a su espíritu contestatario, complejo y sumamente radical tanto en su forma como en su contenido. GRACIAS POR TODO A AQUELLOS QUE HACEN POSIBLE L’ALTERNATIVA 23 y nos vemos el año que viene…

Presentación L’Alternativa 2016

Presentación de la 23 edición de L’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona, en la que intervienen Vicenç Villatoro, director del CCCB, Oscar Abril, director de Sectors Culturals y Innovació de l’Institut de Cultura de Barcelona (ICUB) Francisco Vargas, director de l’Area Audiovisual de l’Icec, y Cristina Riera y Tess Renaudo, codirectoras de L’Alternativa. El acto tuvo lugar el jueves 10 de noviembre en la Sala Mirador del CCCB en Barcelona.

Quiero expresar mi agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Cristina Riera, Tess Renaudo, Marc Vaillo y a todo el quipo de L’Alternativa, por su trabajo, dedicación, resistencia y cariño, a Marta Suriol y Maria Gracia de La Costa Comunicació, por su trabajo, amabilidad, paciencia y cariño, y a todas las entidades que hacen posible la existencia de L’alternativa.

19 DOCSBARCELONA – MOSTRANDO REALIDADES OCULTAS

El pasado 29 de mayo, después de una semana intensa de cine, se cerraba la 19 edición del DOCSBARCELONA. Festival Internacional de Cinema Documental. Una muestra que arrancó con los encuentros profesionales que albergó el mercado, un espacio de debate y conocimiento en el que los proyectos llenan cargados de ilusión en busca de la ansiada financiación. También, hubo encuentros con cineastas y masterclass, en las que se habló largo y tendido del estado actual del cine documental, sus formas de financiación, y sus temáticas, que siguen caminando hacía la denuncia social, y en la medición de un mundo muy capitalizado, injusto y deshumanizado. El miércoles 25 de mayo con la película Sonita, de Rokhsareh Ghaem Maghami, quedaron inauguradas las proyecciones cinematográficas que se llevaron a cabo en los lugares acostumbrados, en las dos salas del club Aribau, y en el auditori y teatre CCCB. Cuatro días intensos de cine en las que se contó con gran cantidad de presencias de los directores de las películas programadas, en las que se dialogó y debatió con un público entusiasmado que llenó las salas y participó en un festival que se ha consolidado como un referente solido y enérgico en el panorama del documental. El domingo se cerró el certamen con la entrega de premios, el máximo galardón recayó en la película La familia chechena, de Martín Solá, el Premio Aministia Internacional y una mención especial del jurado se lo llevó El cuarto de los huesos, de Marcela Zamora, la película Call me Marianna, de Karolina Bielawaska, se alzó con el Premi Nuevo Talento, en la nueva sección Latitud DocsBarcelona se premió a Paciente, de Jorge Caballero, y finalmente, la producción catalana Metamorphosi, de Manuel Pérez, recibió el galardón del Premio del Público y además, se alzó con una Mención Especial del Jurado.

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Mi camino por el festival arrancó con la película SONITA, de Rokhsareh Ghaem Maghami. Vivaz y contundente relato que sigue a Sonita, una joven afgana de 18 años refugiada en Irán que resiste ante un sistema familiar y patriarcal que la obliga a casarse obligada para conseguir dinero. La joven se revela ante la injusticia a través de sus canciones, en las que denuncia el trato inhumano de las mujeres obligadas a contraer matrimonio. La cineasta iraní sigue la peripecia de la joven, convirtiendo su película en un duro alegato en contra de la opresión femenina, en la que además debe intervenir personalmente para ayudar a su protagonista. El durísimo viaje emocional nos lleva desde Irán, de vuelta a Afganistán, observando y emocionándonos con una joven luchadora, resistente y admirable. La siguiente fue DANIEL’S WORLD, de Veronika Lisková. Un retrato absorbente y en primera persona de Daniel, un joven veinteañero que habla sin tapujos sobre su pedofilia. La cámara de la directora checa sigue el testimonio de Daniel de forma muy cercana, dotándolo de sensibilidad en una realidad cruel en la que tiene que vivir Daniel, despojando la película de cualquier artificio y condescendencia, penetrando en su intimidad, tanto emocional como física, en la que somos testigos de las dificultades diarias de alguien que conoce sus deseos sexuales y es consciente de su enfermedad. Daniel no oculta nada, se enfrenta a sus conflictos con entereza y sin esconderse, de un modo valiente y generoso. Una mirada sensible a un problema que afecta a muchas personas que tienen que lidiar con sus problemas emocionales en una sociedad demasiado hipócrita y clasista.

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Después, me acerqué a FREIGHTENED – EL PREU REAL DEL TRANSPORT MARÍTIM, de Denis Delestrac. El prestigioso documentalista estadounidense coloca el grueso de su película en los grandes barcos que transportan las mercancías que consumimos hoy en día. Introduce su cámara en estos inmensos cargueros que transportan miles de contenedores de un lugar a otro del mundo. Un negocio que mueve miles de millones de dólares cada año. Nos abre un mundo desconocido, en la que se habla de paraísos fiscales, grandes multinacionales ocultas que manejan el transporte, escuchamos a expertos, y a los marinos, filipinos en su totalidad, que viajan incesantemente en estos barcos. Además, el director se detiene en el impacto medioambiental que provocan estos transportes en el mar y como afecta a las especies marinas que lo habitan. Un trabajo inmenso, didáctico y brutal sobre los negocios del mundo que vivimos, movidos por la codicia del dinero y poco más. La siguiente parada en el camino fue con THE SWEDISH THEORY OF LOVE, de Erik Gandini. El experimentado director italiano se adentra en el mito de la sociedad sueca como emblema de un modelo de vida elevado, y sobre todo feliz. Nos introduce en aquellos años 70, cuando el gobierno puso en marcha una serie de ideas para dotar a la población de calidad de vida. La película, muy divertida y cruel, sigue a una serie de personajes que dan una muestra de la realidad actual, y las diferentes vidas que han tomado para ser felices, unos, viven solos y tienen hijos sin la necesidad de una pareja, también, nos muestra la cruda realidad de morir en soledad, o la de una comunidad, que alejada de los núcleos urbanos, han creado sociedades en las que el tacto y la compañía como forma de vida, o la experiencia de un médico, que ha encontrado su felicidad ayudando a los más necesitados. Una sociedad en apariencia feliz, económicamente independiente, pero falta de amor y sobre todo, incapaces de no sentirse solos, ante una perfección vital sólo aparente.

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EL CUARTO DE LOS HUESOS, de Marcela Zamora. La joven directora salvadoreña, con una filmografía centrada en la realidad violenta de su país, nos introduce de forma sensible y personal, en la cotidianidad de los médicos forenses de la capital, y su trabajo con los innumerables cadáveres que encuentran en fosas clandestinas, debido a la violencia desatada de las bandas juveniles, totalmente descontroladas, fuera del control del gobierno. También, seguimos la triste realidad de las madres que buscan incansablemente a sus hijos desaparecidos. Un país azotado por la violencia, ya en la década de los 80 con la guerra civil, y ahora metido en una violencia muy cruel que arroja a la muerte diariamente a miles de niños. Una voz interesante y contundente de una realidad silenciada por los medios, y un retrato admirable sobre la dignidad de las personas humildes en una sociedad injusta y despojada de humanidad. MI última parada fue con NEXT STOP: UTOPÍA, de Apostolos Karakasis. El experimentado cineasta griego, con una trayectoria que abarca más de la veintena de títulos, se sumerge en la trayectoria de un grupo de trabajadores de la empresa Vio. Después de cerrar y dejar a sus empleados en la calle, un grupo de ellos, deciden ocuparla y gestionarla para así seguir con la producción de forma cooperativa, democrática y social. Los conflictos y las discusiones entre ellos no se hacen esperar, y la cámara de Karakasis sigue todo este periplo de forma humana y honesta, sin tomar partido, dejando al espectador las pertinentes respuestas. Un retrato fascinante de la voluntad y resistencias humanas que traspasa la pantalla y se convierte en un alegato a favor de los humildes y pisoteados, y en contra de un sistema atroz, que ansía dinero, olvidándose de las necesidades de la población que trabaja duro por seguir hacía delante en una sociedad europea a la deriva y sin respuestas ante la injusticia. Hasta aquí mi camino por el festival, un viaje que empezó cargado de ilusión y entusiasmo, y acabó de la mejor de las maneras, lleno de emoción desbordante, convencido de haber asistido no sólo a una fiesta del cine documental, sino también a una emocionante y muy agradable reunión de amigos, llena de interesantes propuestas que nos hacen la vida mejor y sobre todo, nos muestran realidades ocultas y silenciadas por unos medios dominados por el capital, conocer la realidad nos aleja de la comodidad capitalista, y nos agita, llenándonos de sentimientos que nos hacen sentirnos más llenos de vida y algo más felices.

6 D’A 2016 – AL SERVICIO DEL CINE.

El pasado domingo 1 de mayo, cerró sus puertas la VI Edición del Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona. Después de 10 intensos días de cine, presentaciones, mesas redondas, y demás actividades relacionadas con el mundo cinematográfico. La retrospectiva de este año estuvo dedicada al cineasta lituano Sharunas Bartas, las secciones, como vienen siendo habitual, se dividieron en Direccions, Talents y Transicions. También, hubo como novedad principal, la apertura del certamen a otras sedes fuera del epicentro Barcelona. En las mesas se habló de intrusismo de cineastas en territorios de masculinidad, y de creación y autoría con respecto a la escritura y el montaje. La noche del sábado, en el Teatre CCCB, antes de la película de clausura, se entregaron los galardones: El Premio Talents recayó en Oleg y las raras artes, de Andrés Duque, el jurado también tuvo una mención especial para John From, de Joâo Nicolau. El Premio de la Crítica fue a parar a Baden Baden, de Rachel Lang, y finalmente, el Premio del Público se lo llevó Happy hour, de Ryusuke Hamaguchi. Premios que dieron carpetazo a un sinfín de actividades para todos los paladares, en un festival que después de 6 años, viene dedicándose al cine resistente, diferente, reflexivo y contundente, consolidándose en una ciudad en la que existe un público interesado por este cine, y ha hecho de esta cita, a comienzos de primavera, una concentración del cine que ha dejado huella en festivales prestigiosos de todo el mundo.

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Mi aventura en el D’A, como se conoce al festival, arrancó con la película ALLOYS, de Tobias Nölle. El cineasta suizo nos sumerge en un relato con tintes fantasmales, de excepcional cálculo formal, de atmósfera sugerente y oscura, en la que nos habla de un introvertido y obsesivo hombre que se dedica a investigar a los demás. El robo de uno de sus materiales, lo lleva a una espiral sin retorno de graves consecuencias psicológicas, en las que entabla una relación extraña con una joven vecina. Hay espacio para la comedia surrealista, los toques de thriller y un cruce fascinante entre la realidad, la fantasía y la crónica social, en la que se edifica una profunda reflexión sobre la soledad y continuar la vida sin los que se fueron. Siguiendo en la sección de Talents, miré con atención BADEN BADEN, de Rachel Lang. A través de la mirada dulce e inquieta de Ana (portentosa interpretación de Salomé Richard), una joven que vuelve a Estrasburgo, después de un trabajo fallido, y se intenta ganar la vida con trabajos esporádicos, mientras visita a su abuela enferma, flirtea con su amigo, mientras a la vez que sigue enganchada a una relación destructiva, mantiene una relación distante con sus padres, y además, se reencuentra con viejas amistades. Mantiene la atención con la personalidad desbordante de una mujer de gran fuerza y energía. La cámara la sigue incesantemente, pegada a ella (estilo Dardenne) y somos testigos de una vida a contrarreloj, en la que también hay tiempo para el amor, las inseguridades de la edad, y la sensación de sentirse desamparada y sobre todo, de no saber todavía en qué lugar ubicarse.

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De Talents, me acerqué a KAILI BLUES, de Lu Bian. La primera película del cineasta chino Lu Bian, nos propone un viaje físico, pero también emocional y espiritual. Un hombre se adentra en una zona rural recóndita para encontrar a su sobrino. La película de estructura narrativa y formal impecables, nos envuelve en un aura de fábula social, fantástica, y arcaica en el que viajamos de modo extraño por los caminos y lugares, que parecen perdidos en el tiempo, como si pertenecieran a otro tiempo y lugar. Apoyada en un estilo intimista, en el que podemos sentir el aliento y la desazón de los personajes, y narrada a través de largos planos secuencias, que nos trasladan de un espacio a otro, de forma milimétrica, en una trama sencilla sobre la identidad, y la aventura de conocernos a nosotros mismos a través de los otros. Sin dejar Talents, me sumergí en MATE-ME POR FAVOR, de Anita Rocha da Silveira. Curiosa e inquietante película brasileña que se centra en la mirada de una niña Bia y sus amigas, y en los misteriosos asesinatos de niñas, que además de convulsionar el barrio donde residen las protagonistas, provocan una extraña mezcla de seducción de la muerte y la identidad del asesino. La primera película de la realizadora brasileña también funciona como crítica social de la idiosincrasia brasileña. En un entramado narrativo de gran capacidad, en el que nos atrapa de manera sutil, en una mezcla de géneros y miradas que van desde lo fantástico, el thriller, y una vuelta de tuerca a las películas ambientadas en institutos. Mencionar el excelente trabajo interpretativo de Valentina Herszage, que encarna a la inquieta y reservada Bia.

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Una de las películas más esperadas del festival era OLEG Y LAS RARAS ARTES, de Andrés Duque. Precedida de las buenas acogidas en festivales de prestigio como el Cinema du Réel de Rotterdam o Punto de Vista de Navarra, donde cosechó premios importantes, la tercera película del realizador venezolano afincado en Barcelona, nos sumerge en la personalidad de Oleg Karavaitxuk, un músico ruso de 89 años de edad, enjuto y de voz aflautada, que se mueve dentro de la misticidad que requiere su personalidad, y lo captura de forma impecable en un escenario mítico, el museo Hermitage de San Petersburgo. Oleg va explicando anécdotas, situaciones y demás vivencias, y también, se detiene en su narración, para tocar el piano poseído con toda la energía y fuerza que le caracterizan, convirtiéndose en otro ser. Duque vuelve a maravillarnos con un retrato (como hizo con Iván Zulueta en su celebrada pieza) de un personaje extraño y sublime, que ama la Rusia zarista y a Stalin, a partes iguales, o sólo lo explica así. Un maravilloso juego de apariencias y extrañezas en un personaje de otro tiempo y de éste, de ningún lugar y de algún lugar. Un viaje imposible y envolvente que nos habla de arte, de quién quisiéramos ser y sobre todo, de quiénes pudimos ser. Para cerrar la sección Talents, estuve viendo VILLE-MARIE, de Guy Édoin. El segundo trabajo del quebequés es un drama intimista y cercano, con la noche como presencia incesante, que nos sumerge en un relato de madres/padres e hijos, de personas que tienen que convivir con la pérdida, y la terrorífica culpa que los atenaza constantemente. Vidas cruzadas en la ciudad de Mont-real, salpicada de dureza y desazón. Un actriz de renombre (enorme Monica Bellucci) que trabaja en su próxima película, con tintes demasiados autobiográficos y dolorosos para ella, una doctora y un conductor de ambulancia que comparten el escenario de urgencias, y además más cosas que guardan celosamente. Una historia narrada con fuerza, que nos habla de una manera delicada y sobrecogedora de nuestros sentimientos, y la naturaleza de nuestras relaciones.

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De la sección de Transicions, me llamó muchísimo la atención CHRONIC, de Michel Franco. El cuarto trabajo del director mexicano, rodado en inglés, y protagonizado por un excelente Tim Roth, nos mete de lleno, en un estilo documental, combinando actores profesionales con amateurs, en un drama de un hombre reservado que cuida de enfermos terminales, mientras arrastra una pérdida muy cercana que le separa de su familia. Una película dura y terrible, que de un modo realista, se acerca una realidad difícil y compleja. Una cinta que huye del sentimentalismo y la compasión, tratando de forma inteligente los dramas cotidianos de los personajes, y mostrando situaciones durísimas filmadas de manera sincera y honesta. De la misma sección, me interesó MI AMIGA DEL PARQUE, de Ana Katz. La actriz argentina de la reciente Kiki, el amor se hace, de Paco León, se ha labrado una carrera interesante como directora en su país, con historias intimistas, protagonizadas por personajes corrientes que se enfrentan a sus dramas personales y cotidianos. En ésta, se centra en una madre reciente que cría sola a su bebé (su marido trabaja fuera) y se relaciona con dos hermanas bastante embaucadoras y pesadas. Una reflexión madura y sincera sobre la maternidad y todos los efectos que esta ocasiona en las jóvenes madres. Katz se acerca los problemas reales, miedos e inseguridades que transitan en este tipo de situaciones. Utilizando un estilo realista y natural, que en ocasiones se disfraza de thriller dramático, se desata como una película inteligente, a ratos irónica, que se ve con bastante interés.

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Continuando en Talents, tenía curiosidad por MUCH LOVED, de Nabil Ayouch. Cineasta marroquí del que conocía Los caballos de Dios (2012). Ahora se centra en tres prostitutas que sobreviven en una sociedad corrupta y peligrosa, ofreciendo sus cuerpos, sentimientos y encantos a todos aquellos que quieran gastarse su dinero en ellas. Rodada con un estilo documental, y de extrema dureza, Ayouch (que se enfrentó a numerosos problemas en su país) narra de forma contundente y brutal a estas mujeres que rechazados por todos, incluidos los suyos, se mantienen a duras penas, soportando humillaciones y violencia, en un ambiente malsano y de terror, en el que sobresalen las buenas interpretaciones del trío protagonista, mujeres que sueñan con una vida mejor, que quizá solo existe en sus sueños o en otro país. Para finalizar mi viaje por el D’A, esperaba con expectación la película que clausuraba el certamen, LA PROPERA PELL, de Isa Campo e Isaki Lacuesta. El último trabajo del incombustible tándem, que firman la dirección por primera vez, es una película oscura, terrible y compleja, que nos sumerge en una trama sobre identidades, búsqueda y pasados sangrantes, constantes en el cine de Campo y Lacuesta. Una trama que sobrecoge por su dureza, tanto a nivel físico (filmada en Los Pirineos), como emocional, en un drama en el que un joven regresa con su madre, después de 8 años desaparecido. El pasado, la culpa y la pérdida enfrentan a unos personajes reservados y misteriosos, que mienten más que hablan, y ocultan más que muestran, en una narración excelente que camina entre el drama social (muy al estilo de los Dardenne) y el thriller rural, en un paisaje helado y abrupto que ahoga a todos los personajes. Una película que puso el broche de oro a un festival que se ha convertido en una cita imprescindible y muy necesaria en la ciudad de Barcelona, erigiéndose en uno de los festivales más interesantes y audaces en el actual panorama, que como viene siendo habitual, en la gala de clausura, se anunciaron las fechas de la próxima edición que se celebrará del 27 de abril al 7 de mayo del 2017. Larga vida al D’A y sobre todo, al cine que viaja a lugares inexplorados con miradas interesantes y reflexivas, que nos ayuden a entender a los demás, y sobre todo, a nosotros mismos, o si no lo conseguimos, que por lo menos, lo intentemos.

22 L’Alternativa – LA RESISTENCIA COMO SEÑA DE IDENTIDAD

cartel-lalternativaEl pasado 22 de noviembre hecho el cierre la 22 edición de L’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona. Fueron 7 días, una semana, de cine combativo, militante, reflexivo y necesario. Un cine que nace desde los márgenes, ajeno a la industria, o podríamos decir, que la industria va por otro camino, diferente y alejada al cine de denuncia, de protesta, más cercano a la sociedad y sus problemas, que a otros menesteres, seña de identidad de este certamen. Un festival comprometido con su propuesta, que sigue año tras año, luchando lo indecible para mantenerlo en pie, y combatiendo contra la crisis económica que ha exprimido al máximo el volumen de ayudas, que la escasez y la falta no acaben con este sueño e ilusión emocionantes que respira cine por donde lo mires, y se ha ganado el respeto de todos, creciendo edición tras edición, a pesar de su presupuesto, que ha descendido dos tercios en cinco años, pero la fuerza y el combate titánico de todos aquellos que lo hacen posible, sigue con determinación, constancia e inteligencia para seguir soportando todos los envites a los que se enfrentan para mantenerlo en el camino y en la lucha. Este viaje arrancó con la sección oficial y la película MAURO, de Hernán Rosselli. Un retrato sobre un tipo que vive en los márgenes, ganándose la vida fabricando dinero falso con la ayuda de un amigo. Todo cambia, cuando conoce a una chica, que se convierte en su cómplice y amante. Una muestra del potente cine argentino de la actualidad, en la que la forma en la que está narrado el film, se convierte en sus señas y características, envolviendo a los personajes en un ambiente claustrofóbico, donde el espacio y los leves movimientos, se convierten en un enorme trabajo sobre el sonido y la cotidianidad en un entorno asfixiante y durísimo donde la única salida es la ilegalidad. Siguiendo con los largometrajes de la sección oficial me acerqué a LE RÉCIT DE MON PÈRE, de Philippe Van Cutsem. Cinta explicada a través de la contraposición de dos lenguajes, por un lado, las filmaciones de super 8 filmadas por el padre del autor, en el que se reflejan escenas familiares de tono alegre y distendido que fueron grabadas durante los 70 y 80, y por otro lado, la voz en off del director belga que explica todos los momentos difíciles y complejos que vivió junto a su padre. Cuesta entrar en la propuesta, y en ocasiones se muestra complicada seguirla, ya que las imágenes que vemos parecen ir por un camino, y la voz del director, va por otro diferente. Un experimento si más no, interesante, aunque quizás el resultado final, sea un mosaico atrayente, eso sí, pero que se pierde por caminos confusos.

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Una de las obras que más me emocionaron fue RABO DE PEIXE, de Joaquim Pinto, Nuno Leonel. Una película muy interesante sobre unos pescadores artesanales en una aldea costera de Las Azores. Los directores siguen a Pedro, un joven pescador que huye de la tiranía de la industrialización para continuar como sus ancestros y vivir de manera libre pescando de forma tradicional. Los cineastas portugueses filman los rostros y las manos de los pescadores, la dureza y la cotidianidad de una vida difícil y llena de obstáculos. Una obra que nos recuerda ciertas maneras del cine neorrealista, pero también el cine documental observacional y el cine directo que pretende almacenar algo de la vida y la humanidad que desprenden estos hombres alejados de todo, pero que disfrutan con su vida y su oficio. Cerramos la sección oficial con la película UNE JEUNESSE ALLEMANDE, de Jean-Gabriel Périot. Brutal y magnífica cinta que se sumerge en los convulsos años 60 en Alemania y la creación de la fracción del Ejército Rojo. Rescatando material de archivo de la época, donde jóvenes comunistas, realizan desde la universidad acciones contra un sistema capitalista y fascista que les agrede sus derechos y libertades. Un montaje magnífico que nos lleva de forma vertiginosa y con encomiable audacia, formando un potente mecanismo para la reflexión y el pensamiento, donde se discute sobre el activismo político y se cuestiona su funcionamiento como medio para  la lucha de clases. Un found footage, que recoge el espíritu del Grupo Dziga Vertov, edificado de forma ejemplar que emociona y vibra, elaborando un discurso tenaz y contundente que nos lleva a la situación política y el aburguesamiento de los gobernantes y los ciudadanos.

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De la sección de cortometrajes, rescato LA FIÈVRE, de Safia Benhaim. La joven directora, mediante la metáfora, la simbología y lo mágico, se detiene en el pasado colonialista de su país, Marruecos, para hacer una reflexión profunda y crítica de los males actuales de su país, que provocan la miseria, el desempleo y la huida de los jóvenes hacía Europa en busca de nuevos caminos. SIN DIOS NI SANTA MARIA, de Helena Girón, Samuel M. Delgado. Este último, guionista de Slimane, ahora dirige conjuntamente este retrato protagonizado por personas mayores, mientras escuchamos en off relatos sobre la naturaleza de las tierras que habitan. La noche, compañera fiel, donde los viajes cobran vida y resultan posibles. Un ejercicio estimulante donde se mezclan la tradición de los viejos ancestros y la sabiduría de los mayores, filmado de modo abrupto y crudo recreando las filmaciones antiguas de cine. OK GOOD, de Aleksandra Kulak, Yuliya Kurmangalina, Anna Kornienko. Situado en Vólogda, en Rusia, en un lugar remoto, nos llega este documental musical donde unas personas mayores nos hablan de su vida y su pasado a través de temas musicales. Una interesante pieza de 20 minutos que en algunos momentos resulta muy divertida, y en otros, permanece un silencio sepulcral que sobrecoge, donde impone una manera de filmar muy propia del documental observacional. De la sección Panorama, que rescata producciones nacionales, me dejé llevar por INGEN KO PÂ ISEN (NO HI HA VAQUES SOBRE EL GEL), de Eloy Domínguez Serén. A través del diario personal filmado, el joven realizador gallego nos explica su aventura en Suecia, donde viaja con su novia sueca, los trabajos que desempeña, sobre todo, en la construcción, y la relación con sus compañeros, y su evolución con el idioma. Contada a través de dos partes, la segunda entrega, arranca cuando se rompe la relación sentimental, el joven decide continuar y seguir filmando y filmándose, descubriendo otro país y su propia mirada. Un retrato en primera persona que nos introduce una forma muy personal y honesta sobre la inmigración de los jóvenes en la actualidad, donde se ofrece un ejercicio sobre la construcción de una película y todo lo que ello conlleva.

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También pude ver SUEÑAN LOS ANDROIDES, de Ion de Sosa. Después de su interesante debut en True Love, el segundo trabajo de Sosa apuesta por la ruptura, concentrada en una película que mezcla varios conceptos, una adaptación de la novela de Philip K. Dick (de la que coge la mitad de su título) que se decanta por las zonas muertas del relato, donde se profundiza en la situación y la complejidad de los personajes, o también puede verse como un film ensayo donde el espacio juega un papel importante, creando una irrealidad difícil de digerir en el interior de cada plano. O finalmente, también podríamos verla como una mirada sobre la crisis económica, donde vemos una ciudad, Benidorm, reflejo de la codicia constructora, habitada por mayores de fiesta, y unos androides que se sobreviven en trabajos precarios, y encima, el sistema los elimina. Un trabajo que bebe del género, la ciencia-ficción y el policíaco, pero también en lo social y el esperpento de una sociedad sumida en una pesadilla eterna. Me llamó mucho la atención el cortometraje PUEBLO, de Elena López Riera. Situado durante una larga noche que parece no tener fin, seguimos los pasos confusos y meditabundos de un joven que vuelve a su casa. El chico parece desorientado y no reconoce a su pueblo ni tampoco a sí mismo. La directora va mezclando estás imágenes con las de la procesión de semana santa, donde la liturgia católica deja paso a la incertidumbre y el desamparo de alguien que ya no sabe quién es, y para más confusión, lo que le rodea se ha convertido en un lugar extraño y vacío. También me acerqué a conocer el cine de Hubert Sauper. Fui a la proyección de la Filmoteca de WE COME AS FRIENDS. El cineasta austríaco, afincado en París, vuelve a África, y siguiendo el espíritu que recogía su aclamado y deslumbrante documental de La pesadilla de Darwin, filmado en el 2004, se construye un avión y viaja hasta Sudán, un país dividido en dos por la guerra civil, y ahora liderado por los unos genocidas que malvenden su tierra a los colonizadores extranjeros, estadounidenses y chinos, que vienen como amigos, alusión del título, para robar impunemente y llevarse el oro y el petróleo, mientras el pueblo, vive sumido en la pobreza y la miseria. Una película brutal, sin concesiones, donde Sauper filma de manera directa y honesta los rostros y las personas, y también los amos del mundo, que no se detienen ante nada con el firme propósito genocida y colonialista de conseguir los recursos de los países. Una cinta para la reflexión, que denuncia y clama ante los poderosos y la injustica. Dos horas de cine grandioso que escarba y desentierra las heridas que siempre vuelven, que no se van nunca, que simplemente se ocultan o dejan de mirarse.

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Para cerrar esta 22 edición, L’Alternativa nos preparó un cierre de grandísima altura, un final protagonizado por LA ACADEMIA DE LAS MUSAS, de José Luis Guerin. En la que el cineasta sigue, como en sus anteriores obras,  empeñado en una búsqueda incesante de la narrativa cinematográfica y de todos sus elementos en pos de una forma de contar que convierta cada película en un viaje lleno de incertidumbre, descubrimiento y conocimiento. La película arranca en una aula de la universidad donde un profesor habla de poesía y de Dante a sus alumnos. A partir de ese instante, la palabra y el gesto se adueñaran de la película y los personajes se cuestionaran a sí mismos el valor de la poesía como medio para enfrentarse al mundo, síntomas e ingredientes que recuerdan al cine de Rohmer. Una película filmada a modo documental en su arranque, para derivar en una muestra de la sorprendente capacidad de Guerin para transformar la cotidianidad en un universo lleno de paradojas, incertezas y caminos por andar que invitan a reflexionar sobre el saber, y la validez y vigencia de los maestros clásicos, y sus enseñanzas en las relaciones personales de hoy en día.

La excelente película de Gerin cerró la 22 edición de L’Alternativa, un fin de fiesta extraordinario, que colgó el cartel de no hay billetes en la sala Chomón de la Filmoteca, como ocurría antaño en algunas sesiones de cine en la ciudad. Esperemos y deseemos que sea un augurio para la vida de este festival tan querido y necesario por el público que se ha acercado a descubrirlo y compartirlo, y no sólo asistiendo a las proyecciones de la variadísima programación, sino a las mesas redondas donde se ha dialogado y discutido sobre el cine y sus diversas herramientas y consumo, los talleres para todos, las sesiones gratuitas de la Alternativa Hall, o la maravillosa y pedagógica Masterclass del cineasta Hubert Sauper. Actividades que no sólo alimentan el espíritu curioso y transformador de todos los que asistimos, sino también el de una ciudad tristemente abocada al turismo suicida, en la que los festivales culturales, como este, y demás que existen en la ciudad, vienen a ofrecer corrientes, caminos y alternativas para todos aquellos que deseen disfrutarlos.

18 DOCSBARCELONA – DERRIBANDO FRONTERAS. Viaje a través del conocimiento y la reflexión

El pasado 31 de mayo, después de 4 jornadas intensas de cine, se cerraba la 18 edición del DOCSBARCELONA. Festival Internacional de Cinema Documental. Una muestra consolidada y combativa que trabaja incansablemente por ofrecernos un espacio para la reflexión y el pensamiento, un cine que precisa de ese tiempo necesario para acercarse a él sin prejuicios ni desconfianzas, un cine vital y rompedor, que nos acerca infinitas realidades y muy diversas que nos muestran la capacidad innata de los seres humanos para seguir contando historias de cualquier naturaleza y a pesar de los innumerables impedimentos en los que se encuentran en el camino. Un cine basado en el detalle y en el gesto, ajeno y alejado a las informaciones de los medios generalistas basadas en el impacto y en el titular, en una acumulación de información mareante, que no deja tiempo ni espacio para el conocimiento profundo de las informaciones para así tener una perspectiva de los acontecimientos más seria y veraz. El DOCSBARCELONA es un certamen modesto y sincero, aunque no por ello, le falta fuerza y energía para seguir en pie de guerra y lanzarse a plena mar, a través del compromiso y la aventura que requiere ofrecer cine documental en estos tiempos dados al consumo codicioso y el cinismo de los gobernantes. Mi andadura por el festival arrancó con GOOD THINGS AWAIT, de Phie Ambo. Cinta danesa dirigida por una cineasta con una interesante en documentales ambientados en la naturaleza, que se centra en la figura de Niels Stockholm, un granjero biodinámico que con 79 años sigue al frente de su negocio criando la autóctona vaca lechera roja y cultivando alimentos que acaban en la mesa de los restaurantes de alto standing. La película muestra de manera sencilla y veraz, su cotidianidad en la que debe enfrentarse a los diversos problemas que le acechan: las inspecciones del gobierno y la maldita burocracia, las plagas que amenazan sus cosechas, las inclemencias meteorológicas que perturban la paz de su granja, y además, la seria preocupación que, por su avanzada edad, no consiga encontrar a alguien que siga con su trabajo. Una fábula humanista donde el hombre sigue viviendo en concordancia con la naturaleza y lo que esta le ofrece. Un relato que atrapa en su sencillez y en las cualidades humanas que destila.

6a014e6089cbd5970c01bb082312e4970d-800wiMe acerqué a la propuesta de documental interactivo que proponían los responsables de LAS SINSOMBRERO, DE Tània Balló, Serrana Torres y Manuel Giménez Núñez. Un proyecto gratamente estimulante y educativo que nos sumerge en el webdoc, en una sesión emocionante a la que asistimos los allí presentes, fuimos testigos de una navegación interactiva que nos trasladó a las mujeres de la generación del 27, esas figuras artistas femeninas olvidadas por la historia, que a partir de este proyecto que engloba, además de la página web, donde a través de audiovisuales e información, nos desentierran de la oscuridad esta serie de mujeres poetas, escritoras, cineastas, pintoras…, también hay una película documental para televisión, un libro, y un proyecto educativo que pretende viajar por las aulas de enseñanza para que los alumnos conozcan todo este pasado silenciado. La siguiente propuesta fue TEA TIME (La Once), de Maite Alberdi. La joven cineasta chilena regresa al DocsBarcelona con su segundo trabajo, vuelve a detenerse en las historias íntimas desarrolladas en la cotidianidad. Esta vez, nos habla de un grupo de mujeres septuagenarias que se reúnen a tomar el té y pastas, salomónicamente una vez al mes, y lo llevan haciendo hace más de 60 años desde que salieron del colegio. El paso del tiempo, la juventud, y la amistad conforman el contenido de sus diálogos, que algunas veces son hilarantes, y tremendamente divertidos, y en otras, llenos de nostalgia por los que ya no están, tanto sus maridos, como sus amigas ya fallecidas. Una obra sencilla e íntima, que se desarrolla en casi un único escenario, los comedores donde estas mujeres comen, hablan, recuerdan, ríen, lloran, y también toman el té.

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Continúe con LAS LISTA DE FALCIANI, de Ben Lewis. Dirigida por Ben Lewis, con una larga trayectoria en este campo, el documental de investigación, en esta ocasión se detiene en la figura de Hervé Falciani, un economista que en el año 2009 robó datos del banco suizo HSBC, que contenían la lista de nombres protegidos, evasores fiscales que eludían el pago de los impuestos legales para legalizar su dinero. La película a modo del cine de espías y de thriller, viaja a todos los lugares de Europa, habla con todos los implicados para poner en liza un asunto de grandísima importancia, todo ese dinero perdido que no recaudan los estados, en tiempos de crisis económica. La película no entra en la personalidad ambigua y compleja de Falciani, porque quizás se necesitaría otra película que aclarará ciertos asuntos de esta oscura figura. Un buen ejercicio de cine político, audaz y tremendamente interesante. Luego, me acerqué a GREECE: DAYS OF CHANGE, de Elena Zervopoulou. Debutante en el largometraje y curtida en experiencia con el trabajo corporativo en Ong’s, la realizadora helena se centra en tres personas machacadas por la crisis griega. Giorgios, un hombre que tras perder su empleo vivió un tiempo en la calle y lucha por reconstruir su vida a través de un centro de acogida, Grigoris, que tras ser despedido, coge a su familia y se va a vivir al campo para cultivar alimentos y vivir dignamente. Y finalmente, Ilias, que lucha incansablemente contra el corporativismo de un mercado que sube los precios indiscriminadamente, en una acción democrática y cooperativista para hacer llegar productos de primera necesidad a la gente, a precios de coste en un acción que recibe el nombre de “Poyecto patata”. Un interesante documento sobre como en tiempos de escasez y pobreza, la única salida es la solidaridad entre las personas y remar todos en la misma dirección.

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También, presencié la propuesta de THE MULBERRY HOUSE, de Sarah Ishaq. La joven directora mitad Yemen, mitad escocesa, debuta en el largo con una historia sencilla, ambientada en su visita a su padre en Yemen, después de un tiempo. Allí, mientras filma a su familia árabe, se encuentra con las protestas sociales contra el régimen, como ocurrió en otros países árabes, en las que algunas llegaron a  derrocaron a sus dirigentes. Ishaq filma la cotidianidad íntima familiar, pero también las protestas y las manifestaciones que se van desarrollando durante su estancia. Un retrato personal que abarca la memoria personal y la situación de un país, en el seno de una familia acomodada, pero que también se ve implicada en esta agitación política. Un trabajo estupendo, que también reflexiona a través de los diversos puntos de vista de cada uno de los integrantes de la familia, y cómo los acontecimientos políticos van afectando a cada uno de ellos.

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Mi recorrido por el festival se cerró con la película chilena,  LOS CASTORES, de Nicolás Molina y Antonio Luco. Los jóvenes realizadores sudamericanos debutan en el largometraje con una película que abarca diversos temas, desde el ecologismo, la preservación de la fauna y la flora, y sobre todo, de los intereses económicos que son completamente ajenos al desarrollo de la naturaleza y los seres vivos que la conforman. El relato arranca con la llegada de dos biólogos a los parajes hostiles y agrestes de Tierra del Fuego, debido a una plaga de castores que se está cargando el ecosistema. La película navega por varios lares, desde el film de observación, al de aventuras, de expedición, al relato de intriga o policíaco, donde los científicos intentan con todos los medios a su alcance, lograr capturar y estudiar la morfología de los animales depredadores. Un interesante documento que nos conduce a reflexionar sobre nuestra manera de vivir basada en el fin económico, alejada del funcionamiento natural de las cosas. Hasta aquí mi camino por el festival, un viaje que empezó cargado de ilusión y entusiasmo y acabó con la misma emoción, convencido de haber asistido no sólo a una fiesta del cine documental, sino también a una emocionante y muy agradable reunión de amigos, llena de interesantes propuestas que nos hacen la vida mejor y sobre todo, nos hacen sentirnos más llenos de vida y algo más felices.

5 D’A – EL VIENTO A FAVOR. Viaje a través de lo vivido y soñado.

El pasado 3 de mayo se cerraba la quinta edición del Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, 10 días intensos, que arrancaron el 24 de abril, llenos de pases, directores, presentaciones, debates, coloquios, y sobre todo, días de encuentro, donde el cine de calidad, comprometido y reflexivo tomó la palabra. El tránsito que significó dejar un festival como el BAFF, y renacer con otras siglas, y ya no sólo centrarse en el continente asiático, sino que abarcar los 5 continentes, resultaba una empresa difícil y compleja, pero desde su primera edición, la del 2011 hasta esta última, celebrada este año, el D’A –como todos los seguidores y aficionados lo conocen- ha creado una marca, unas siglas que lo identifican, la cita de primavera de la ciudad condal, esa que sucede durante el primero de mayo, el festival que nos muestra un cine valiente, alejado de lo establecido, un cine diferente entre sí, un cine independiente, que ha sabido soportar las penurias económicas, en algunos casos, y en otros, las penurias legales, para crecer en libertad, explorando los diversos temas y plantearse cuestiones, no sólo a nivel argumental, sino también formales. El D’A, 5 años después, se ha erigido en un certamen serio, riguroso, vivo, valiente y que ofrece a su público cines y miradas de muchos rincones del planeta, de cinematografías totalmente inexistentes en las carteleras de los cines, un evento grande, en mayúsculas, que después de 5 años se ha afianzado en el interior de todos nosotros, y que su existencia no solamente es un logro de sus organizadores y patrocinadores, sino también de nosotros, el público que sigue acercándose cada principio de primavera a ver lo que sucede en esas pantallas inquietas, en esas salas a oscuras, y en esa maravillosa experiencia que es ver cine en las salas de cine.

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Mi andadura por el festival arrancó el domingo 26 de abril, y la elegida fue EL INCENDIO, de Juan Schnitman, enmarcada en la sección Talents. El realizador argentino nos somete en su segundo trabajo -el primero fue una codirección con Santiago Mitre en El amor (Primera parte)– a un vertiginoso viaje a las emociones de una pareja de jóvenes que ha dado el paso de la compra conjunta de una vivienda. 24 horas durísimas, de discusiones, gritos, peleas, desconfianzas y dudas entre dos seres que se sienten solos en el enjambre de una sociedad que marca un ritmo vertiginoso y no deja tiempo a pensar. Una brutal pesadilla sobre las volátiles relaciones, la difícil convivencia y sobre todo al miedo a la vida, y a nosotros mismos, rodada con cámara al hombro, creando un ambiente asfixiante y realista que incómoda en una de las obras más viscerales y contundentes de las vistas en el festival. De la misma sección me acerqué a A MISTERIOSA MORTE DE PÉROLA, de Guto Parente. El joven realizador brasileño nos introduce en un ambiente que arranca de forma cotidiana como si fuese una película de Oliveira, para luego girar de forma ingeniosa y sutil hacía lo terrorífico, donde cabrían autores de la talla de Hitchcock, con ecos de Vértigo, el Polanski de El quimérico inquilino, o las pesadillas psicológicas y perturbadoras del siempre indescifrable Lynch. Una elegante y sofisticada imagen, con apenas un par de personajes, y brevedad en su metraje para incomodarnos y hacernos viajar hasta la más temible de nuestros miedos.

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LES AMIGUES DE L’ÀGATA, de Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius, Marta Verheyen. Película surgida del grado de Comunicación Audiovisual de la UPF como trabajo final de carrera y supervisado por gente como Isaki Lacuesta, Elías León Siminiani y Gonzalo de Lucas, se llevó el premio del público con todo merecimiento. Las cuatro directoras hablan de algo que conocen, el difícil tránsito de la infancia a la edad adulta, de las amigas del colegio a las de la universidad, pero lo hacen de un modo fresco, natural, sin sentimentalismos, con una mirada inquieta, que recoge las pulsiones del momento y la agitación de ese instante. Una mirada seria y honesta a un proceso vital que genera conflictos propios y ajenos. Una cinta sincera y realista protagonizada por cuatro actrices cómplices y en constante evolución. ANTÍGONA DESPIERTA, de Lupe Pérez García. El segundo trabajo de la cineasta argentina es un ejercicio interesante que viaja por diferentes géneros sin definirse en ninguno (una de las constantes de las películas de aquí que se han visto en el festival), una aproximación fiel y natural sobre la descontextualización de los mitos, de su importancia en el tiempo que vivimos. Rodada en zonas agrestes, y apoyada de una luz bellísima que capta de forma contundente todos los aromas y agitaciones que estructuran la cinta. Con el apoyo de la complicidad de Juan Barrero, en labores de producción y cámara, y de Gala Pérez Iniesta -autora de la música-, como esa Antígona que se revela ante el poder. Una pieza de orfebrería que indaga en las grietas y costuras de la representación y forma cinematográfica. NO TODO ES VIGILIA, de Hermes Paralluelo. https://242peliculasdespues.com/2015/05/16/no-todo-es-vigilia-de-hermes-paralluelo/. 

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De la sección Direccions, me sentí seducido por la fuerza de CHORUS, de François Delisle. Sexto trabajo de un director experimentado que nos introduce en una historia sobre las heridas del pasado, filmada en un hermoso blanco y negro, y con apenas dos personajes, sin olvidarnos de la inolvidable presencia de Geneviève Bujold (la enigmática actriz de Rudolph). Nos cuenta la tragedia de un matrimonio, ya deshecho, que vuelven a enfrentarse a la aparición del cadáver de su hijo menor que fue brutalmente asesinado. Un descenso a los infiernos desde la cotidianidad, con unas interpretaciones basadas en la contención, en las miradas, en un relato brutal, sin concesiones que somete al espectador a enfrentarse al dolor y a esas almas que sufren y no encuentran paz.  QUEEN OF EARTH, de Alex Ross Perry. La nueva película de unos realizadores más estimulantes del panorama independiente estadounidense, arranca con la ruptura de una pareja, ella, un joven artista anulada por el talento de su padre fallecido, se va unos días con una amiga íntima. Lo que en principio son unos días de descanso y recuperación, pronto se girarán hacía los más profundos miedos  de alguien con graves problemas emocionales. El cineasta americano utiliza tres personajes, y un único escenario (una casa y su entorno) para sumergirse en un cuento de terror cotidiano, alejándose de los sustos y demás elementos del género, para indagar de forma sencilla y directa en la complejidad de la mente y las consecuencias de la enfermedad mental. THE SMELL OF US, de Larry Clark. Nueva baja a los infiernos del siempre irreverente e incómodo cineasta y fotógrafo norteamericano. Esta vez se pierde por las calles de París para hablarnos de sus temas favoritos: adolescentes que viven al límite, tomando drogas, prostituyéndose con maduros y ancianas depravadas, utilizando el sexo desenfrenado como como forma de escape, y perdiendo el tiempo con el skate. Una cinta visceral con olor a sudor, que nos habla de una juventud perdida que no encuentra consuelo en nada, que se deja llevar por las pasiones más sucias y destructoras. Una mirada cruel, desoladora y decadente de unos jóvenes sin futuro  en un pozo de autodestrucción.

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Una de las secciones más interesantes del festival fue Futurs (Im)Possibles. CRUMS, de Miguel Llansó. Filmada en Etiopía y con actores del país. El realizador español nos sitúa en un ambiente postapocalíptico, donde los referentes culturales y consumistas han desaparecido, y han tomado nuevas definiciones y formas. Unos personajes atípicos encabezados por un antihéroe que emprenderá un viaje por lugares desolados, de extenuante belleza plástica, en los que deberá enfrentarse a duras pruebas y sobre todo a sí mismo. Una película transgresora en todos los sentidos, desde la comedia surrealista, el humor grotesco y fino, una love story, pero ante todo una película a tumba abierta en cuanto a forma y contenido, filmada en absoluta libertad y compromiso, que aboga por la experiencia del cine, del cine como una aventura, un viaje sin destino hacía los márgenes más alejados de cualquier estructura que podamos definir. Una experiencia que atrapa y no deja indiferente. EL HOMBRE CONGELADO, de Carolina Campo-Lupo. Una cinta que nos invita a viajar hacía los confines de todo a bordo de un barco de la armada. La realizadora nos sitúa en una aventura donde el paisaje invade completamente la pantalla, arrasando con todo. Una experiencia que nos recuerda a Leviathan, aquel viaje a bordo de un pesquero, ahora la palabra, en este caso la imagen, se la cede en su grandeza y totalidad al paisaje indómito y salvaje que engulle al barco y a sus tripulantes. Un documento visual donde el sonido cuestiona ciertos límites de la imagen y su representación. Una maravillosa y elegante cinta donde cada espectador se sumerge en sus propias fantasías en un viaje que no parece tener retorno. De la sección Transicions, me dejé llevar por la sencillez de LAS ALTAS PRESIONES, de Ángel Santos.https://242peliculasdespues.com/2015/05/07/las-altas-presiones-de-angel-santos/.

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LOS EXILIADOS ROMÁNTICOS, de Jonás Trueba. Tres amigos salen de Madrid con destino a París en busca de algo, quizás de amor, de ellos mismos, o de las mujeres que les esperan. Trueba nos cuenta un viaje, cinematográfico, literario, de amistad, de referentes culturales, vitales, y sociales. Un trayecto estival sin rumbo, donde nos habla de unos jóvenes perdidos y a la deriva, que buscan y creen encontrar, aunque todavía no saben muy bien para qué. Los ilusos era una película de entretiempo, una cinta que hablaba de cine sin hacer cine, cine en estado puro, filmado entre amigos,  un cine que habla de nosotros, de esa juventud que se va y de las cosas que vendrán o de las cosas que creemos que pasarán. Las referencias al cine de Tanner o Rohmer aparecen en el horizonte, en una cinta viva, llena de grandes aciertos y sobre todo de un cineasta con una mirada que alejándose de los convencionalismos, nos habla directamente, desde la sinceridad y sin apenas hacer nada de ruido. THE LESSON, de Kristina Gozeva, Petar Valchanov. Debut en la ficción de los realizadores búlgaros que nos hablan de un cuento moral, donde una profesora en su afán de impartir justicia en su aula, se verá enredada en un macabro puzzle social, donde no encuentra el fondo, por los problemas económicos que asolan a su familia. Una crítica social demoledora sobre las dificultades de sobrevivir en la sociedad actual y del papel de la mujer. Una mujer trabajadora y luchadora que debe enfrentarse a problemas e manera solitaria. Un ejercicio contundente, filmado de manera realista y con una luz claroscura que ayuda a reafirmar esa negritud y desolación que respira toda la película. TALLER CAPUCHOC, de Carlo Padial. Después de Mi loco Erasmus (2013), el joven realizador vuelve a la carga, ahora es el turno del timo de los talleres literarios, de esos escritores con aires de grandeza y sobre todo de un cierto aire de fatalismo e hipocresía que rigen muchos conceptos de la sociedad contemporánea. El showman Miguel Noguera se mete en la piel del escritor fracasado y patético, rodeado de una fauna de engendros aburridos y listillos que pasean su ego por cualquier esquina. Una mirada mordaz, brutal e ingeniosa, con bastante humor que consigue hacer reír y llorar a partes iguales.

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Para finalizar mi camino por el D’A, asistí la noche del sábado 2 de mayo, a la gala de clausura donde se dio lectura a los premiados, y a continuación se abrió el telón y se pasó EDEN, Mia Hansen-Love, la película que cerró el certamen. El cuarto título de la cineasta francesa nos sumerge en el ambiente garaje, la música electrónica que apareció a principios de los 90. Una cinta que repasa veinte años de historia de un DJ que a pesar de los años que van pasando, se niega a cambiar y sigue a lo suyo, noches sin fin y drogas por doquier. Una mirada realista y oscura sobre los ambientes nocturnos y también, sobre el paso del tiempo, de cómo afrontar los años y permanecer erguido a pesar de los sueños frustrados y los desengaños vitales. Una cinta a ritmo de música que nos hará bailar, conmovernos, disfrutar, y también sufrir con una generación que creyó que todo empezaba y acababa de noche, olvidándose que a la mañana siguiente salía el sol.

Con Hansen-Love, se finiquitó mi participación en el D’A como ávido espectador e investigador de lo cinematográfico, desde un punto de vista crítico y observador, pero sobre todo, disfrutando enormemente de los  momentos vividos, soñados y encontrados en este festival que nos acoge cada principio de primavera…