Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira

EL SUEÑO DE UN PUÑADO DE CINÉFILOS.  

“El cine te da la oportunidad de estar en lugares imposibles. Eso es el cine, estar en un sitio donde jamás podrías estar en la vida real. Y de pronto, descubrir que eso existe, que eso forma parte de un terreno extraño y hacer esa especie de arqueología, de juego arqueológico, de encontrarlo. A mí me resulta fascinante, no me extraña que la gente vaya a desenterrar el cementerio de Sad Hill. O sea, es algo que me gustaría a mí también hacer, no. Parece como de pronto que nuestros sueños son reales y eso es una sensación fantástica”.

Álex de la Iglesia

Quizás muchos no lo llegarán a entender, pero aquellos que amamos el cine, que no sentimos fuertemente atraídos por alguna película, por aquellas escenas que nos atraparon, sus diálogos y sus personajes, nos hemos dejado llevar por la experiencia mística de reconocer algún lugar real de alguna película,  y sentir ese momento mágico cuando caminando nos hemos topado con ese lugar ya mítico en nuestras vidas, y hemos descubierto un escenario real donde se llevó a cabo algún rodaje, rescatando del olvido aquella imagen de la película, depositada en nuestra memoria cinéfila, y la hemos comparado con el escenario real, en una simbiosis perfecta entre nuestros sueños y la realidad que estábamos observando.

Algo así parecido sintieron un grupo de amigos cuando en octubre de 2015 acudieron a Santo domingo de Silos, en Burgos, más conocida por los cinéfilos como la localización real del cementerio de Sad Hill, lugar mítico cinéfilo de la secuencia final de la película El bueno, el feo y el malo, de Sergio Leone. Ese grupo de “chalaos” de la película emprendieron hacer realidad un sueño, desenterrar el cementerio sepultado por una amalgama de yerbajos y volver a darle vida 49 años después, y convertirlo de esa manera, en un lugar de peregrinaje para todos aquellos que quieran verlo en realidad, algo así como un lugar sagrado para todos los amantes de la película. La película Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira (Vigo, 1986) recoge todo ese proceso y habla con sus artífices, también dando voz a fans de la película de la talla de los cineastas Joe Dante y Álex de la Iglesia, o músicos como James Hetfield (vocalista de Metallica) y cómo no, algunos de los miembros del equipo de la mítica película como Clint Eastwood, Ennio Morricone, el mítico músico de los spaghetti western y de tantas obras, Eugenio Salvati, montador, Sergio Salvati, asistente de cámara, Carlo Leva, ayudante de arte, y otros expertos de la película como Sir Christopher Frayling, biógrafo de Sergio Leone.

La cinta viaja en el tiempo y nos explica algunos pormenores de la película, la última de la trilogía del dólar, rodada en 1966, en aquella España franquista gris y tradicional, después de Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965), y las localizaciones que albergó aquel rodaje, desde la fuerte personalidad de Leone, los soldados de mili, más de un millar, que participaron de extras y ayudaron a la construcción de los decorados, desde el campo de concentración, el puente que estallará y el mítico de cementerio (que alberga 20 minutos de la película), recogiendo diferentes sucesos, anécdotas, testimonios de algunos de aquellos soldados, fotografías del rodaje, y demás documentación. No es sólo una película que habla sobre cine, sino también de la materialización de los sueños, de la memoria cinéfila y sobre todo, de la pasión de legiones de espectadores hacia el cine y alguna película en concreto, el cine como espacio de los sueños, como lo llamaban en la época clásica de Hollywood, aquella “Fábrica de sueños”, pero aquí, el sueño ha construido su propio camino real, resucitando del olvido un espacio real, algo tangible, un lugar sagrado, un lugar que pisaron Leone, Clint Eastwood, Eli Wallach o Lee Van Cleef, entre tantos nombres míticos de la película.

De Oliveira ha realizado su particular y sincero homenaje al cine, documentando a todos aquellos hombres y mujeres que siguen soñando la película una vez que está ha terminado de proyectarse, contándonos a través de pedazos de vida que forman parte de la reconstrucción del cementerio, de la experiencia de todos aquellos venidos de tantos sitios, incluso de Francia, con pala y azada al hombro, para trabajar quitando tierra, hierbas y maleza para devolver al lugar el espacio mítico y sagrado que tenía en la película, para resucitarlo, darle vida otra vez, con ese duelo final que ya forma parte, no sólo de la historia del cine, sino de tantos espectadores que la siguen recordando y explicando, porque lo que nos viene a decir la película que el cine y la vigencia de su memoria esta en mano de los espectadores, esos cinéfilos que aprovechan su tiempo para localizar y reconstruir el cementerio de Sad Hill, porque, al fin y al cabo, los sueños son más sueños cuando se convierten en realidad, cuando la película se convierte no sólo en un pedazo de historia desenterrada, sino en un lugar sagrado, donde todos y cada uno de sus admiradores, pueden encontrarse y sentir todo aquel aroma que sintieron el equipo de la película cuando pisaron aquel lugar, en el que el Tuco corría desesperado encontrar la tumba de Arch Stanton que guardaba el tesoro, o pisaban el empedrado mientras sonaban la maravillosa melodía de la mítica The Ecstasy of Gold.


<p><a href=”https://vimeo.com/290700694″>TRAILER DESENTERRANDO SAD HILL</a> from <a href=”https://vimeo.com/dypcomunicacion”>DYP COMUNICACION</a> on <a href=”https://vimeo.com”>Vimeo</a&gt;.</p>

Barbacana, la huella del lobo, de Arturo Menor

LOS PAISAJES DEL LOBO.

Cinco lobitos tiene la loba,
cinco lobitos, detrás de la escoba.
Cinco lobitos, cinco parió,
cinco críó, y a los cinco,
a los cinco tetita les dió.

El biólogo y cineasta talaverano Arturo Menor es un apasionado de la naturaleza y todo lo que le rodea, tanto a nivel natural como social, ya había demostrado esta pasión en muchos de sus trabajos para la Universidad de Huelva y otros medios, como lo hizo con su primer largometraje WildMed, el último bosque mediterráneo (2014) en el que mostraba la diversidad y belleza de la cordillera de Sierra Morena, en el que filmaba todos sus espacios, colores y aromas, y sus habitantes, donde coexisten especies como el lince ibérico, el águila imperial y el lobo. El éxito de crítica, tanto a nivel nacional como internacional, le ha animado a emprender un nuevo reto, filmar el lobo en su hábitat natural, en las montañas donde habita esta especie controvertida, un animal que desde tiempos inmemoriales ha mantenido una lucha contra el hombre, en un rodaje que abarcó tres años de trabajo.

La película arranca en Sierra Morena, y después, nos llevarán a la cordillera cantábrica, como si Menor y su equipo fuesen rastreadores que siguen la estela del lobo, en el que la cinta nos muestra todos los movimientos y actividades que se realizan para llamar la atención del lobo, asesorados por pastores y habitantes de las zonas que pisan. La película se teje a través de tres caminos. Por un lado, tenemos a su director y su equipo construyendo la experiencia y el trabajo cinematográfico, la parte técnica, y asistimos a su espera, mientras la voz del narrador nos va describiendo minuciosamente aquello que no vemos, o desconocemos, aquello que las imágenes no muestran, la extensa diversidad de los bosques, montes y campos ibéricos, y toda su vegetación y fauna salvaje y animal, desde aves, herbívoros, y los lobos, por un lado, y por el otro, el hombre, esos últimos pastores o los que todavía resisten, trashumando con sus ganados con la ayuda de sus perros mastines.

Por otro lado, la película consigue filmar a los lobos, una difícil tarea que requiere esfuerzo, mucho trabajo, enorme paciencia y unos equipos de filmación de alta tecnología, en el que observamos a los lobeznos recién nacidos, su madre y la evolución del clan familiar, sus disputas, sus estrategias de cazas y sus movimientos, y todo su desarrollo por las diversas estaciones del año. Y por último, la película nos habla de la situación del lobo, donde escuchamos a pastores y ganaderos que nos explican su relación con el lobo, donde descubrimos que el lobo ayuda a mantener la vegetación que ayudará a alimentar al ganado cuando suban a las altas montañas, cazando a los herbívoros, y de esa manera, manteniendo los ecosistemas. Tres ejes que se funden entre sí, mezclándose y adquiriendo un sentido conservacionista, no sólo del lobo, una especie en constante peligro, sino de la actividad ganadera y la diversidad de los ecosistemas ibéricos y su futuro, descubriéndonos una realidad social que difiere en muchas ocasiones con las ideas prejuiciosas hacia el lobo.

Una película que vuelve a mirar a nuestros montes y bosques, acercándonos todo su mundo que, como han hecho otros cineastas, aunque todavía muy escasos, que en los últimos años, han devuelto el documental de naturaleza a nuestros cines, siguiendo la estela del gran divulgador científico Félix Rodríguez de la Fuente, en los que se han sumado nombres como el del propio Menor, Joaquín Gutiérrez Acha, con sus trabajos como Guadalquivir o Cantábrico, o el más reciente de José Díaz y 100 días de soledad, trabajos de gran factura técnica que abordan la naturaleza desde el conservacionismo y la observación de toda su diversidad, belleza y naturalidad. El cineasta talaverano vuelve a sumergirnos en un relato de grandísima belleza, en el que ha contado con un gran esfuerzo técnico, donde se ha contado con un nutrido grupo de los mejores técnicos del país como Alvaro de armiñan, en guión y ayudante de dirección, los músicos Javier Arnanz y Jorge Marín, con la colaboración de la cantante Rozalén que canta la famosa “Cinco lobitos”, José M. G. Moyano en montaje o Daniel de Zayas y Carlos de Hita en sonido.

Una magnífica y sensorial película, con sus intensos y emocionantes 71 minutos de metraje, en la que respiramos naturaleza y nos adentramos en un mundo alejado de todo, y donde la vida y la muerte coexisten a cada segundo, en el que nos fundimos entre los aromas, la inmensa tableta de colores y formas, y todos los habitantes que impregnan cada brizna de hierba y de viento, como las aves, grandes y pequeñas, como esos buitres carroñeros que sacuden los cadáveres, las disputas de los rebecos en los más altos picos, el apareamiento de los ciervos y corzos, los jabalíes en busca de comida, y el lobo, moviéndose y relacionándose con ese paisaje bello y salvaje, en el que coexisten con el hombre, con sus ganados pastando, sus perros mastines vigilantes y protectores, y sus distintas formulas para luchar contra el lobo, cercando el ganado, o construyendo las barbacanas (que hace referencia el título de la película, que son las fortificaciones con cable y objetos que asustan al lobo y el impiden penetrar a por el ganado joven). Menor ha construido un retrato sobre los bosques y montes ibéricos desde la observación de la inquietud y curiosidad del cineasta que los ama, desde el respeto y la conservación de unos ecosistemas ancestrales y ricos, en el que la película los muestra en toda su riqueza y belleza, sumergiéndonos en todo aquello que vive y muere cada día.


<p><a href=”https://vimeo.com/283058201″>BARBACANA_TRAILER_RISEN</a&gt; from <a href=”https://vimeo.com/asecic”>ASECIC_VIMEO</a&gt; on <a href=”https://vimeo.com”>Vimeo</a&gt;.</p>

Climax, de Gaspar Noé

DANZAD, DANZAD, MALDITOS.

“La existencia no es más que una ilusión efímera que todos nos llevamos a la tumba.”

Gaspar Noé

El espectacular y rompedor arranque de la película con los cuerpos de los bailarines danzando al ritmo adrenalínico y frenético de la música, con esa cámara suspendida en el aire que va recogiendo todos sus movimientos a velocidad de crucero, sometiendo a los espectadores en una vorágine brutal y llena de energía que nos deja completamente hipnotizados con su sonio y ritmo. Una apertura de estas características deja muy claras las intenciones de Gaspar Noé (Buenos Aires, Argentina, 1963) de proponer un viaje hipnótico y sensorial a través de la música, en el que tenemos que dejarnos llevar, dejar de lado la racionalidad y que nuestro subconsciente nos guié por ese mundo de sensaciones y de espiritualidad. El cineasta argentino afincado en Francia no hace un cine complaciente y cómodo, sino todo lo contrario, nos sumerge en relatos cotidianos en apariencia, que a medida que avanza el metraje, se irán radicalizándose, en el que sus personajes se sumergirán en un laberinto emocional y complejo donde la violencia más extrema y brutal hará acto de presencia, destapando las partes más oscuras de la condición humana.

Y si esto fuera poco, Noé echa mano de un virtuosismo formal muy radical, marca de su cine, en el que sus planos retratan de forma cruda y realista todo aquello que ocurre, con encuadres imposibles y extremos, en el que capta todos los puntos de vista de los personajes, y sobre todo, sus estados de ánimos, como si la cámara fuese el alma del personaje, moviéndose y captando todo aquello que desprende su interior, siguiendo con crudeza y suciedad todas las acciones violentas y durísimas que viven sus criaturas. En Climax empieza con ese prólogo donde los bailarines hablan a la cámara en una especie de casting sobre sus ilusiones y miedos, para luego pasar al brutal baile de apertura de la película y a la fiesta que vendrá a continuación, donde veremos a los bailarines bailando sin descanso al ritmo de la música en directo, que no dejará de sonar en todo el metraje, también, iremos conociendo las relaciones personales entre ellos, con ese vocabulario de la calle, donde hablan de sexo, alcohol y drogas, entre otras cosas sobre pasarlo bien y disfrutar de la vida.

Estamos a mediados de los 90, la música electrónica y dance francesa es la más rompedora del planeta, con grupos como Daft punk a la cabeza, en un recóndito lugar alejado de todos y todo, en una historia real como nos anuncian en los títulos del inicio de la película, en los que hay alguna que otra broma y nos dan paso al ambiente festivo y alegre que recorre una parte de la película. Noé ha reclutado a un buen puñado de bailares profesionales, encajando su película en un solo espacio, con el epicentro de la sala de baile, en el que podríamos reconocer el Cielo o el Paraíso, donde la danza transporta a todos los jóvenes a sus lugares y estados favoritos, llenos de luz y paz, después pasaríamos a los pasillos y otros espacios, con sus habitaciones, donde entraríamos en una especie de purgatorio, en el que cada uno de los personajes penetra en sus lugares ocultos y personales, donde estallan las diferentes tensiones y conflictos, y por último, nuevamente la sala de baile, ahora convertida en el Infierno, donde todo ha cambiado, en el que cada uno de ellos ya no es el mismo, está poseído por algo, en una especie de trance demoniaco en el que la construcción del inicio ha dejado paso a la destrucción de uno mismo y los de sus alrededor, en un estado zombie de almas desterradas, perdidas y llevadas por el delirio más infernal.

Noé parte su película en muchísimos trozos, aunque podríamos diferenciar un par, en el primero, todo es fiesta, alegría y baile, y en el segundo, después que se dan cuenta que la sangría estaba dopado con un potente LSD, donde cada uno de los personajes se mueve de un lugar a otro de forma anormal, como poseídas por algo, donde sus actos ya no obedecen a la consciencia, sino a otros espíritus, en el que los actos sinsentido y violentos se irán sumando, sin descanso, donde la cámara de Noé, testigo de toda esta locura y paranoia, representará todo estos actos y escenarios de manera inquieta y terrorífica, colocando el punto de vista al revés, y a ras del suelo, en el que nos iremos tropezando con jóvenes arrastrándose por el piso, manteniendo sexo, gritando, rasgándose el cuerpo y la ropa y moviéndose con extrema dificultad, en un estado de trance psicotrópico, donde todo está abierto en canal a lo más oscuro y brutal, en una bacanal de sexo, violencia y horror absolutos, donde la fiesta se convierte en pesadilla, y donde cada uno de los jóvenes se trasnforma en el peor de sus miedos y monstruos. Noé nos habla a la cara, de frente, sin tapujos ni vericuetos, y nos somete a su película, en este viaje psicodélico, para que seamos testigos y vivamos una experiencia algo parecido a lo que viven sus personajes, introduciéndonos en este malvado y cruel descenso a los infiernos, en el que cada uno de nosotros experimentará la película de formas y conceptos realmente muy personales, donde su radicalidad visual ya argumental, gustará más o menos, pero indiferente no dejará a nadie que se atreva a acercarse a este emocionante y sangrante cruce entre drama, terror y paranoia social.

Encuentro con Jan Svankmajer

Encuentro con el cineasta Jan Svankmajer, con motivo de la concesión de la medalla como miembro de Honor de The Raymond Roussel Society, con la participación de Esteve Riambau (Director Filmoteca) Jaromir Kallista (productor) Joan Bofill-Amargós (Presidente y cofundador The Raymond Roussel Society), Thor Halvorssen y Hermes Salceda (Cofundador y miembro del board de The Raymond Roussel Society, respectivamente), Joan Marimón (guionista) y Stanislav Skoda (Representante Embajada Checa en España y Director del Centro Checo Madrid).El encuentro tuvo lugar el jueves 27 sseptiembre de 2018 en la Filmoteca de Cataluña en Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Jan Svankmajer, por su tiempo, sabiduría, generosidad y cariño,  y a Jordi Martínez de Comunicación de la Filmoteca, por su amabilidad, generosidad, tiempo y cariño.

Entrevista a Ana Schulz y Cristóbal Fernández

Entrevista a Ana Schulz y Cristóbal Fernández, directores de la película “Mudar la piel”. El encuentro tuvo lugar el martes 2 de octubre de 2018 en el domicilio de los directores en Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Ana Schulz y Cristóbal Fernández, por su tiempo, sabiduría, generosidad y cariño, y a Eva Calleja de Prismaideas y Pablo Caballero de Márgenes Distribución, por su tiempo, cariño, generosidad y paciencia.

Entrevista a David Gutiérrez Camps

Entrevista a David Gutiérrez Camps, director de la película “Sotabosc”. El encuentro tuvo lugar el jueves 4 de octubre de 2018 en la Librería Laie de Pau Claris en Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a David Gutiérrez Camps, por su tiempo, sabiduría, generosidad y cariño, y a Eva Herrero y Marina Cisa de Madavenue, por su tiempo, cariño, generosidad y paciencia.

Entrevista a Jordi Rovira y Xavier Baig

Entrevista a jordi Rovira y Xavier Baig, directores de la película “Eugenio”. El encuentro tuvo lugar el martes 2 de octubre de 2018 en la oficina de la productora REC produccions en Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a jordi Rovira y Xavier Baig, por su tiempo, sabiduría, generosidad y cariño, y a Ot Burgaya de El documental del mes, por su tiempo, cariño, generosidad y paciencia.