Memorias de un hombre en pijama, de Carlos Fernández de Vigo

EL SOLTERO EMPEDERNIDO Y EL AMOR.

Durante el 2010 y 2011 aparecieron en el diario “Las Provincias”, publicado en la Comunidad Valenciana, las primeras tiras cómicas de Memorias de un hombre en pijama, donde el dibujante Paco Roca (Valencia, 1969) explicaba las vicisitudes, más o menos autobiográficas, de un alter ego cuarentón y soltero hasta la médula que cumplía uno de sus sueños infantiles, trabajar desde casa y en pijama, reflexionando sobre su vida, amigos y amores o no, siempre en un tono cómico e irreverente. Debido al gran éxito, saltó a “El País”, de tirada nacional, y luego se convirtió en una novela gráfica. Con la mente puesta en el éxito cinematográfico de Arrugas (2011) otra novela gráfica de Roca, donde explicaba la vejez y contaba el proceso de la enfermedad de Alzheimer del padre de un buen amigo, y contando con un equipo parecido en la escritura con el propio Roca, Ángel de la Cruz y el fichaje de Diana López Valera, le dieron forma a la adaptación de la novela gráfica, contando con el director Carlos Fernández de Vigo, debutante en el universo de Roca. Siguiendo el espíritu que recogían las páginas de los diarios, donde conocíamos a Paco, un tipo cuarentón, soltero empedernido y libre como el aire, que consigue vivir de su talento y en pijama, explicando a sus lectores las desventuras de alguien que se relaciona con sus amigos de toda la vida, con nombres de signos del horóscopo, y sus tribulaciones con el amor y esa cosa de conocerse y conocer a alguien, a través de mucho humor y algo de crítica, que nunca viene mal.

Aunque toda esa vida aparentemente tranquila y feliz, si exceptuamos el amor, donde la fluidez del dibujo se torna torpe y nada delicado, todo cambiará con la llegada de Jilguero, una mujer joven (diez años menos que él) atractiva, risueña y todo un ciclón para la vida encajonada, y a ratos sosa de Paco, lo que arranca como un rollo más o menos interesante, se irá convirtiendo en una relación de pareja, con sus muchos altibajos, y todo lo ello conlleva. Roca, De la Cruz y Fernández de Vigo construyen una película de animación, con la salvedad de su prólogo y epílogo, que utilizan imagen real protagonizada por Raúl Arévalo y María Castro, que prestan sus voces a las dos criaturas protagonistas. La película cuenta la vida de Paco, en una especie de diario de soltero que trabaja como dibujante desde casa, con sus heroicidades y fracasos de sus salidas con sus amigos, para luego añadir la relación con Jilguero, la vida en común y los problemas de pareja más cotidianos y cercanos.

Los 74 minutos de la película avanzan rápido y con gracia, si bien estamos ante una película algo convencional, que a ratos sabe sortearlo con astucia e inteligencia, cuando Paco se relaciona con sus amigos y sus problemas, la love story que nos cuentan es más interesante y divertida a sus inicios, donde todo fluye de manera ingeniosa y cómica, y a medida que avanza, tiene momentos que parece anclarse y la fluidez del principio se resiente, no obstante, remonta en la parte final, creando toda una serie de situaciones divertidas y recurrentes, donde la historia parece devolvernos a la pericia y la inteligente que desborda en su inicio. Resulta interesante y novedosa la elección de la música pop y reflexiva de Love of lesbian como banda sonora, no sólo como seguimiento, sino como algo más, donde las canciones nos cuentan las interiores del personaje protagonista, dotando a la música de una relevancia muy propia. A parte de las voces citadas, tenemos la del actor Manuel Manquiña, a través de uno de los personajes más interesantes de la función, ese repartidor de correos exprés, que será despedido por un encontronazo con Paco, y seguidamente, iremos viendo en los trabajos más diversos y extravagantes, y sus continuos desencuentros con el protagonista (a modo del amigo que le pide siempre dinero a Antoine Doinel en Besos robados).

Memorias de un hombre en pijama es una película entretenida, a ratos, muy divertida, y en otros, afortunadamente en los menos, demasiado evidente, pero en conjunto un buen ejercicio de cine de animación que atrapa y hace pasar un buen rato, en el que a través de su sencillez y ligereza, logra hacernos reflexionar sobre nosotros mismos y en la sociedad en que vivimos, en esos tipos afortunados en el trabajo y desorientados, casi perdidos en el amor, o los vaivenes de lo romántico, las difíciles convivencias, aceptar al otro, los vacíos creativos, compartir espacios, las dificultades de sentirse bien, y sobre todo, lo que nos cuesta sentir amor y expresárselo al otro. Todo eso y más, explica la película de Fernández de Vigo, De la Cruz y Roca, que sin llegar a la elegancia narrativa y emocional de Arrugas, han creado una comedia romántica digna, con altibajos, pero digna y eficiente, con momentos divertidos e inteligentes, que no es poco.

Después de nosotros, de Joachim Lafosse

178-cartel-despues-de-nosotrosTODO LO QUE PERDIMOS.

“El desastre siempre ha ocurrido con anterioridad”.

Donald W. Winnicot

Marie y Boris han decidido separarse después de 15 años en común y dos hijas gemelas. Pero, tal y como nos advierte el título original “L’economie du couple” (La economía de la pareja) el dinero, o mejor dicho, la falta de este, se va a convertir en un problema crucial en su separación. Aunque el séptimo título de la carrera del director Joachim Lafosse (1975, Uccle, Bélgica) no sólo se centra en ese conflicto, la película profundiza, y de qué manera, en las complejas relaciones humanas de la pareja, erigiéndose en el tema central del relato, por otra parte, tema que estructura la obra de Lafosse, muy interesado en investigar los conflictos que se desatan de puertas hacia dentro, como en los ámbitos familiares, culturales o los intrincados límites de la ayuda humanitaria como reflejaba en su penúltima película Los caballos blancos.

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Lafosse localiza su película en el ambiente doméstico, que a veces parece un hogar y en otras, se convierte, en un campo de batalla, donde hay lucha cuerpo a cuerpo, haciéndonos participe de las disputas entre Marie y Boris. La casa, propiedad de ella, pero reformada por él, se convierte en el epicentro de sus acusaciones y reproches, el lugar que han compartido tantos años, funciona como espejo transformador y monstruoso de su relación, algo que crearon juntos con ilusión y esperanza, se ha acabado convirtiendo en todo lo contrario, debido a su separación, en el eje de todos sus males. A través de una excelente planificación estructurada de tomas largas, consiguiendo unos planos que se deslizan entre los personajes de manera suave, casi imperceptible, dejándonos a los espectadores en la posición privilegiada de testigos omnipresentes en el drama que está aconteciendo, unos encuadre que los persiguen, casi tocándolos, por las cuatro paredes de la casa (en la que la cocina-comedor se convierte en el lugar esencial donde se desarrollarán la mayoría de los (des)encuentros de la post-pareja), si bien el jardín de la entrada de la casa, aporta un poco de luz y respiro a la oscuridad y tristeza que se ha instalado en la casa.

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Lafosse cuida cada detalle de su entramado dramático, cada objeto y mueble de esa casa, significa algo entre ellos, colocándonos a los espectadores como observadores, nunca juzga a sus víctimas, siempre manteniendo y argumentando las razones de cada uno de ellos, explicando y analizando cuidadosamente las diferentes posturas en el conflicto, dejando la última palabra y las oportunas reflexiones al público que verá su película (como la entrada del personaje de la madre de ella, más de conciliadora y explicando el paso del amor a la amistad, postura que no comparte su hija, más abierta a que si algo no funciona, hay que dejarlo. Un guión de hierro que penetra de forma realista y brutal en este drama, sacando los sentimeintos complejos e imposibles de descifrar por uno mismo, y enfrentados al otro, en el análisis de una pareja en ruinas, en descomposición, que se amaron, que tenían una vida y proyecto en común, pero ya no, pero que todavía sienten emociones por el otro, por aquel que lo fue todo en su vida, y ahora, se ha convertido en su enemigo, en alguien por el que ya murió todo lo que fue, todo lo que hubo, alguien que se ha convertido en otro, en alguien al que ya no ama, al que no quiere seguir viendo cada día.

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La pareja de actores, con Bérénice Bejo (que en El pasado, de Asghar Farhadi, también interpretaba a una mujer separándose) y Cédric Kahn (de interesante carrera como director) están estupendos y tremedamente veraces en sus personajes, consiguen transmitirnos, desde su intimidad, toda la energía y rabia contenida, y que explota en los momentos justos, aunque no sólo hay hostias y portazos, como en una primera instancia podría parecer, también hay espacio, aunque poco, para la sonrisa y el amor, o lo que queda de él, los restos del amor, porque siempre queda algo, aunque nos cueste admitirlo. Obra gemela de otros descensos al infierno del amor, como ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Nosotros no envejeceremos juntos o  El infierno, títulos que han indagado en los conflictos de pareja de forma humana, creíble e inteligente, describiendo no sólo la parte del amor más romántica y pasional, sino también, cuando el amor se torna oscuro y complejo, en una guerra, una lucha en la que todo el cariño y la sensibilidad que hubo, deja paso a otros sentimientos, una etapa en la que los odios, las miserias y los monstruos de cada uno entran en escena apoderándose de todo y todos.

Entrevista a Lara Izagirre

Entrevista a Lara Izagirre, directora de “Un otoño sin Berlín”. El encuentro tuvo lugar el martes 3 de noviembre de 2015, en el hall de los Cines Verdi Park de Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Lara Izagirre, por su tiempo, generosidad y simpatía, y a Sonia Uría y Alex Tovar (autor de la fotografía que ilustra esta publicación) de Suria Comunicación, por su paciencia, amabilidad y cariño.

La adopción, de Daniela Féjerman

La-adopcionCOMPRAR UN NIÑO

En el 2004, Bertrand Tavernier filmó La pequeña Lola, donde relataba de forma austera y sencilla el viaje a Camboya de una joven pareja francesa que se veía sumida en una infinidad de problemas en su deambular para adoptar una niña. Ahora, también nos cuentan la historia de una joven pareja catalana Natalia y Daniel que se han trasladado a un país ex soviético, nunca nos dicen de cuál se trata, para adoptar un niño rubio. Daniela Fejerman (1964, Argentina) abandona la comedia, en la que había dirigido 3 películas, dos de ellas con Inés París, para adentrarse en una historia que parte de una experiencia propia y personal, sumergiéndonos en un terreno inhóspito y extraño, en un escenario aterrador y difícil, donde la pareja que encarnan espléndidamente Nora Navas y Francesc Garrido, pasará por distintas fases emocionales a medida que avancen en su complejo y kafkiano itinerario para conseguir su objetivo. Poco nos cuentan de su pasado, sólo que se trata de una pareja consolidada, se quieren y ella tiene un padre doctor con el que mantiene una relación tensa.

Ahora, han llegado a este lugar hostil y helado, en muchos instantes muy inquietante y peligroso, cubierto por un manto de nieve, en el que resultará complicado respirar y caminar. Lo que ha empezado como un viaje lleno de ilusión y alegría, acabará convirtiéndose en una vía crucis donde se medirán y resquebrajarán muchas cosas entre la pareja y lo que sienten, que todavía no se habían manifestado. Un viaje que arranca con la pérdida de sus maletas, que podría parecer un caso aislado, pero que la directora ya nos quiere poner en guardia, informándonos que la pareja no lo tendrá nada fácil en su objetivo. Un país diferente, que todavía respira la herencia soviética, que servirá de telón de fondo austero que resulta complicado entender, (Frejérman añade un plus interesante, con la dificultad de entenderse debido al idioma, introduciendo situaciones cómicas), donde su particular y doloroso periplo les llevará por lugares fríos y muy hostiles, desde el apartamento triste en el que se alojan, donde la calefacción va cuando quiere, la visita a orfanatos donde les mostrarán niños con problemas de salud, conocerán funcionarios que parecen militares, su contacto, una señora que actúa como enlace, unas veces parece tenderles la mano, y otras, se muestra como su enemigo, doctores que primero ayudan y luego quieren sacar tajada. Todos viven en un estado decrépito y hundido, muerto, donde la corrupción está a la orden del día, a todos les hace falta dinero, y esta joven pareja, con la excusa del niño, son unas alimañas perfectas.

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La pareja tendrá que soportar las humillaciones de la maraña burocrática que juega con ellos, reclamándoles tiempo y más dinero, una locura psicótica que en muchos momentos parece una película de terror, de esas donde la pareja parece que no se salvará. La relación de pareja se verá machacada y desgastada por los problemas a los que se enfrentan diariamente. Entonces, Frejerman que, nos había mostrado unos personajes y cómo actuaban, nos los gira, y nos encauza unos seres que se ven superados, el que parecía más fuerte, y más firme, se muestra más débil y vulnerable y viceversa. Un drama social de grandísima altura, que nos revela una cineasta seria y personal para un género que ya se había prodigado en sus guiones, (recordemos Sé quién eres, que escribió para Patricia Ferreira). Un guión de hierro escrito pro la directora junto a Alejo Flah, que navega con amplitud de detalles por estas aguas heladas y turbulentas. Otro de los grandes aciertos, aparte de la pareja protagonista, ya comentada, es la tenebrosa y fina luz de Juan Carlos Gómez, que se erige como el perfecto aroma que necesita la trama. Sin olvidarnos de la música, con esa pieza de piano de Véla Bartok, el cuarto de Beethoven que escuchamos y esa nana ucraniana que nos envuelve y da un poco de calor y esperanza a este particular y doloroso descenso a los infiernos.

Entrevista a Dominga Sotomayor

Entrevista a Dominga Sotomayor, directora de “MAR”. El encuentro tuvo lugar el lunes 11 de mayo de 2015, en el Café Bar El Colectivo de Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Dominga Sotomayor, por su tiempo, sabiduría y generosidad, a Manuela Martelli, cineasta, que nos acompañaba, y tuvo la delicadeza de retratar el encuentro, y al equipo del Cine Zumzeig de Barcelona, con su director Esteban Bernatas al frente, por su grandísimo trabajo y ofrecernos la presencia de los directores presentando sus películas, y por su combativa y resistente programación que nos descubre un cine reflexivo y a contracorriente.

Mar, de Dominga Sotomayor

Mar PósterEL ENTORNO DETENIDO

La directora Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985), dejó un buen sabor de boca en su opera prima De jueves a domingo (2012), una interesante y reflexiva aproximación del desmoronamiento de una pareja y la relación con sus hijos. Una road movie donde una pareja en la treintena viajaba con la compañía de sus dos hijos al norte del país. Sotomayor elegía el punto de vista infantil, un espacio de diversión, juegos y sueños, que contrastaba con el mundo de los padres, triste, perdido y sin ilusiones, formado por una pareja que ha decidido separarse. En su segunda película Mar, Sotomayor se enfunda el traje de observadora, ahora el punto de vista no está centrado en nadie, sólo quiere que seamos testigos de lo que vemos y saquemos nosotros, los espectadores, nuestras propias conclusiones. Su relato se centra en Martín, un joven de 33 años que se ha escapado junto a su novia unos días a disfrutar del sol, la piscina, y el buen tiempo de Villa Gesell, en Argentina.

La joven pareja se muestra distante, el amor, si alguna vez lo hubo, se está descomponiendo, ya no se muestran cariñosos, y cada vez se sienten más alejados el uno del otro. En la segunda mitad de la película, con la llegada de la madre de Martín, aún se agravará más la situación de calma latente que respira la pareja. Sotomayor fabrica su cine a través de gestos y detalles, su cine se muestra sutil, hay que buscar concienzudamente entre sus aristas y pliegues para ir descubriendo lentamente la multitud de capas que encierran tanto sus historias como los personajes que las habitan. La cotidianidad de los días de vacaciones son utilizados por la realizadora chilena para tejer entre la pareja y el paisaje que los rodea, una tela de araña malsana, en la que todo pasa, pero nada se muestra. Si hay alguna evidencia en la película no se muestra en una primera capa, hay que rascar fuertemente para que pudiéramos encontrarnos con ella.

La cámara de Sotomayor se muestra observadora, tomando la distancia prudente, en el que las cosas suceden, sin intervenir de manera moral, una cámara que sólo se mueve en un par de ocasiones, donde la directora hace evidente ese movimiento, ese cambio que se está produciendo en Martín. Una película breve, apenas 60 minutos, e intensa, que no deja nada al azar, con una forma muy definida, y un argumento lleno de espacios oscuros y sin fondo. Una obra que certifica los buenos augurios que nos dejó el primer trabajo de Dominga Sotomayor, que desde ahora y en adelante, seguiremos sus pasos con ojo avizor, en la diversidad y riqueza de sus trabajos, ya sean en la dirección, guión o producción, a través de CINESTACIóN, la cooperativa cinematográfica donde con un puñado de jóvenes cineastas talentosos se han agrupado para seguir en el camino produciendo un cine interesante, reflexivo y emocionante.

 

Entrevista a Juan Schnitman

Entrevista a Juan Schnitman, director de “El incendio”. El encuentro tuvo lugar el lunes 27 de abril de 2015, en el hall del Teatro CCCB de Barcelona, dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Juan Schnitman, por su tiempo y generosidad, al equipo del Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, por su paciencia y amabilidad, y a Oscar Fernández Orengo, magnífico fotógrafo, autor de la imagen que ilustra la publicación.