Encuentro con José Luis Guerín

Encuentro con José Luis Guerín, director de “La academia de las musas”, con motivo de la proyección de clausura de l’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona. El evento tuvo lugar el domingo 22 de noviembre de 2015, en la Filmoteca de Cataluña.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a José Luis Guerín, por su tiempo, conocimiento y generosidad, al equipo de l’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona, por su trabajo, resistencia y cariño, y a Octaví Martí y Pilar García de Comunicación de la Filmoteca, por su paciencia y amabilidad.

Entrevista a José Luis Guerín

Entrevista a José Luis Guerín, director de “La academia de las musas”. El encuentro tuvo lugar el lunes 28 de diciembre de 2015, en la vivienda del director en Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a José Luis Guerín, por su tiempo, sabiduría y generosidad, a Sonia Uría de Suria Comunicación, por su paciencia, amabilidad y cariño, y al colega de El Punt Avui, que tuvo el detalle de tomar la fotografía que ilustra esta publicación.

Entrevista a Mireia Iniesta

Entrevista a Mireia Iniesta, actriz de “La academia de las musas”, de José Luis Guerín. El encuentro tuvo lugar el jueves 24 de diciembre de 2015, en el Parc de la Ciutadella de Barcelona.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a las personas que han hecho posible este encuentro: a Mireia Iniesta, por su tiempo, generosidad y simpatía, a Sonia Uría de Suria Comunicación, por su paciencia, amabilidad y cariño, y a Juana Furió, (que aparece en la película) que tuvo el detalle de tomar la fotografía que ilustra esta publicación.

La academia de las musas, de José Luis Guerín

La-academia-de-las-musasFILMAR LA PALABRA.

“El cine no será libre hasta que no pueda ser hecho con la misma sencillez que un poema”

Jean Cocteau

El cine de José Luis Guerín (1960, Barcelona) arrancó con decisión en su primera película, Los motivos de Berta, filmada en 1983, donde a través de un híbrido entre el cine documental y el de ficción construía una obra propia e inusual. Tuvieron que transcurrir siete años para volver a disfrutar una película de Guerín, Inisfree, filmada en el mismo pueblo que John Ford hizo El hombre tranquilo, que además de retratar a unas gentes y unos lugares, pretendía dejar testimonio de un modo de vida que desaparecía, luego llegó Tren de sombras (1997), un homenaje al cine a través de las películas amateur, donde el reto consistía en asistir al proceso de recuperación de los negativos olvidados. En el año 2001, realiza En construcción, junto con alumnos del máster UPF de documental de creación, una película fundacional en su cine, que marcará una nueva forma de mirar y filmar sus obras, la narración, aludía directamente a su título, donde además de testimoniar la transformación urbanística del barrio del Raval de Barcelona, el film mostraba los aspectos formales de construcción de la propia película. En el 2007, En la ciudad de Sylvia, filmada en Nantes y en francés, que en cierto modo es una adaptación de la edición que hizo Raffaele Pinto de La vida nueva de Dante, seguía a un joven dibujante que buscaba incesantemente a una joven que conocía tiempo atrás, a partir de la mirada y la ensoñación y la abstracción construía un relato sencillo sobre la imagen y la figura de la mujer como mito del deseo y el amor. Guest, del 2011, nacía a partir de la anterior, porque debido a los innumerables festivales donde fue invitada, Guerín documentó con su cámara de video, no el festival ni su devenir, sino los aledaños y lugares de las ciudades que no aparecían en el foco, iluminando una hermosísima película donde los personajes y lugares se apoderaban de su mirada y de la construcción de la propia obra.

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Ahora, nos llega La academia de las musas, donde recupera al profesor Raffaele Pinto y filma su experiencia pedagógica, como nos anuncia en el texto informativo que abre la película, una obra hija de la crisis, sin ayudas ni instituciones detrás, rodada con un equipo mínimo, Guerín y Amanda Villavieja, su sonidista habitual. La película arranca en la Facultad de Filología de Barcelona, donde Pinto imparte un seminario de poesía sobre La divina comedia, de Dante. Unos alumnos escuchan atentamente y algunos intervienen. Guerín lo filma de modo documental, casi amateur, nos invita a su dispositivo para que seamos testigos, junto con él, del descubrimiento de la película. Narrada con estructura de cuento, otro texto informativo ( muy del uso del cine mudo, que nos acompañarán durante el resto del metraje) nos conduce hasta la casa del profesor, donde aquí Guerín nos sumerge en el campo de la ficción, que ya no abandonará, donde la forma y la mirada adquieren otro sentido, a la distancia que marca lo que se nos está contando. Pinto dialoga/discute con su mujer, Rosa Delor Muns, (sus momentos se caracterizan por la comedia y la ironía) ésta se posiciona en contra de la idea de las musas, y la imagen de la mujer, es la voz disentida, la mujer que no cree en absoluto que la poesía servirá como redención de este mundo, (un instante que parece extraído del cine de Bergman y sus Escenas de matrimonio). La película se desarrolla a partir de la palabra, de los diferentes diálogos y posiciones, donde hablan de sus experiencias y relaciones, (donde conviven de manera natural los diferentes idiomas, castellano, catalán, italiano y sardo) que mantendrán las alumnas, Mireia Iniesta y Emanuela Forguetta, que confluyen con la idea de amor romántico que propone el profesor a través de la poesía de Dante. El deseo, las emociones y la materialización del amor son el contenido de las diálogos que mantienen los personajes en los pasillos de la universidad, en el café Estudiantil o en el interior de los automóviles, (donde podemos adivinar el cine de Rohmer o Rivette, o a los Garrel o Hong Sang-Soo) donde Guerín mantiene su cámara fuera, en la calle, y utiliza de modo acertado los espejos y el reflejo que inunda el espacio de sus personajes, donde los rostros de sus protagonistas se convierten en formas desdibujadas y fascinantes.

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El viaje y la experiencia que nos propone Guerín, nos lleva hasta la isla de Cerdeña, a conocer a sus pastores y su lengua, el sardo, y cómo se relacionan con la naturaleza a través de sus cantos, paisaje del origen de la palabra, a esa Arcadia perdida, al paraíso donde la palabra vive y late con más fuerza, a escuchar el sonido del viento, de los pájaros, a inundarnos con las emociones que no se ven, y a descubrir que en sardo no existe la palabra amor (uno de los momentos más bellos de la película), donde el universo de Rosellini contamina la película, y el documento trasciende a la propia obra, y en el lado opuesto, también nos conducirá hasta Nápoles, en las inmediaciones del lago Averno, donde según Dante, se encontraba la puerta del infierno, filmado de forma abstracta y casi fantasmagórica, donde el lugar y las imágenes se convierten en un reflejo del interior de los personajes (como ocurría con Ingrid Bergman en Viaggio in Italia). Es la película de Guerín con más comedia, las situaciones que se provocan y la ironía que se utiliza nos lleva a momentos de grandes carcajadas, (donde irrumpe el estilo de la comedia clásica de Hollywood de los Cukor o Hawks). Una obra que muestra la capacidad de seducción de la palabra, llena de reflexión y conocimiento, también de sombras y lugares extraños, de personajes vitales e ilusos, de razonamientos, equívocos y frustraciones sobre el amor, el deseo, la pasión, la seducción y la creación. Guerín ha fabricado una hermosísima obra, una obra de resistencia, de amor al cine, a filmar las experiencias vitales del cineasta y los cómplices que le rodean, la capacidad de emocionarnos con lo mínimo (ausencia de música extradiegética), donde el cine, la pintura, la literatura, y demás artes confluyen de manera hipnotizadora y conmovedora, en el que los personajes siguen fieles a lo que sienten a pesar de los golpes que reciben, en el que ya no importa tanto que sucede y cómo, sino la naturaleza de vivir y experimentar mientras se va descubriendo y haciendo la película, donde todo sucede de la forma más sencilla posible, pero que en su interior, encierra las más bellas y profundas emociones humanas.

22 L’Alternativa – LA RESISTENCIA COMO SEÑA DE IDENTIDAD

cartel-lalternativaEl pasado 22 de noviembre hecho el cierre la 22 edición de L’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona. Fueron 7 días, una semana, de cine combativo, militante, reflexivo y necesario. Un cine que nace desde los márgenes, ajeno a la industria, o podríamos decir, que la industria va por otro camino, diferente y alejada al cine de denuncia, de protesta, más cercano a la sociedad y sus problemas, que a otros menesteres, seña de identidad de este certamen. Un festival comprometido con su propuesta, que sigue año tras año, luchando lo indecible para mantenerlo en pie, y combatiendo contra la crisis económica que ha exprimido al máximo el volumen de ayudas, que la escasez y la falta no acaben con este sueño e ilusión emocionantes que respira cine por donde lo mires, y se ha ganado el respeto de todos, creciendo edición tras edición, a pesar de su presupuesto, que ha descendido dos tercios en cinco años, pero la fuerza y el combate titánico de todos aquellos que lo hacen posible, sigue con determinación, constancia e inteligencia para seguir soportando todos los envites a los que se enfrentan para mantenerlo en el camino y en la lucha. Este viaje arrancó con la sección oficial y la película MAURO, de Hernán Rosselli. Un retrato sobre un tipo que vive en los márgenes, ganándose la vida fabricando dinero falso con la ayuda de un amigo. Todo cambia, cuando conoce a una chica, que se convierte en su cómplice y amante. Una muestra del potente cine argentino de la actualidad, en la que la forma en la que está narrado el film, se convierte en sus señas y características, envolviendo a los personajes en un ambiente claustrofóbico, donde el espacio y los leves movimientos, se convierten en un enorme trabajo sobre el sonido y la cotidianidad en un entorno asfixiante y durísimo donde la única salida es la ilegalidad. Siguiendo con los largometrajes de la sección oficial me acerqué a LE RÉCIT DE MON PÈRE, de Philippe Van Cutsem. Cinta explicada a través de la contraposición de dos lenguajes, por un lado, las filmaciones de super 8 filmadas por el padre del autor, en el que se reflejan escenas familiares de tono alegre y distendido que fueron grabadas durante los 70 y 80, y por otro lado, la voz en off del director belga que explica todos los momentos difíciles y complejos que vivió junto a su padre. Cuesta entrar en la propuesta, y en ocasiones se muestra complicada seguirla, ya que las imágenes que vemos parecen ir por un camino, y la voz del director, va por otro diferente. Un experimento si más no, interesante, aunque quizás el resultado final, sea un mosaico atrayente, eso sí, pero que se pierde por caminos confusos.

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Una de las obras que más me emocionaron fue RABO DE PEIXE, de Joaquim Pinto, Nuno Leonel. Una película muy interesante sobre unos pescadores artesanales en una aldea costera de Las Azores. Los directores siguen a Pedro, un joven pescador que huye de la tiranía de la industrialización para continuar como sus ancestros y vivir de manera libre pescando de forma tradicional. Los cineastas portugueses filman los rostros y las manos de los pescadores, la dureza y la cotidianidad de una vida difícil y llena de obstáculos. Una obra que nos recuerda ciertas maneras del cine neorrealista, pero también el cine documental observacional y el cine directo que pretende almacenar algo de la vida y la humanidad que desprenden estos hombres alejados de todo, pero que disfrutan con su vida y su oficio. Cerramos la sección oficial con la película UNE JEUNESSE ALLEMANDE, de Jean-Gabriel Périot. Brutal y magnífica cinta que se sumerge en los convulsos años 60 en Alemania y la creación de la fracción del Ejército Rojo. Rescatando material de archivo de la época, donde jóvenes comunistas, realizan desde la universidad acciones contra un sistema capitalista y fascista que les agrede sus derechos y libertades. Un montaje magnífico que nos lleva de forma vertiginosa y con encomiable audacia, formando un potente mecanismo para la reflexión y el pensamiento, donde se discute sobre el activismo político y se cuestiona su funcionamiento como medio para  la lucha de clases. Un found footage, que recoge el espíritu del Grupo Dziga Vertov, edificado de forma ejemplar que emociona y vibra, elaborando un discurso tenaz y contundente que nos lleva a la situación política y el aburguesamiento de los gobernantes y los ciudadanos.

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De la sección de cortometrajes, rescato LA FIÈVRE, de Safia Benhaim. La joven directora, mediante la metáfora, la simbología y lo mágico, se detiene en el pasado colonialista de su país, Marruecos, para hacer una reflexión profunda y crítica de los males actuales de su país, que provocan la miseria, el desempleo y la huida de los jóvenes hacía Europa en busca de nuevos caminos. SIN DIOS NI SANTA MARIA, de Helena Girón, Samuel M. Delgado. Este último, guionista de Slimane, ahora dirige conjuntamente este retrato protagonizado por personas mayores, mientras escuchamos en off relatos sobre la naturaleza de las tierras que habitan. La noche, compañera fiel, donde los viajes cobran vida y resultan posibles. Un ejercicio estimulante donde se mezclan la tradición de los viejos ancestros y la sabiduría de los mayores, filmado de modo abrupto y crudo recreando las filmaciones antiguas de cine. OK GOOD, de Aleksandra Kulak, Yuliya Kurmangalina, Anna Kornienko. Situado en Vólogda, en Rusia, en un lugar remoto, nos llega este documental musical donde unas personas mayores nos hablan de su vida y su pasado a través de temas musicales. Una interesante pieza de 20 minutos que en algunos momentos resulta muy divertida, y en otros, permanece un silencio sepulcral que sobrecoge, donde impone una manera de filmar muy propia del documental observacional. De la sección Panorama, que rescata producciones nacionales, me dejé llevar por INGEN KO PÂ ISEN (NO HI HA VAQUES SOBRE EL GEL), de Eloy Domínguez Serén. A través del diario personal filmado, el joven realizador gallego nos explica su aventura en Suecia, donde viaja con su novia sueca, los trabajos que desempeña, sobre todo, en la construcción, y la relación con sus compañeros, y su evolución con el idioma. Contada a través de dos partes, la segunda entrega, arranca cuando se rompe la relación sentimental, el joven decide continuar y seguir filmando y filmándose, descubriendo otro país y su propia mirada. Un retrato en primera persona que nos introduce una forma muy personal y honesta sobre la inmigración de los jóvenes en la actualidad, donde se ofrece un ejercicio sobre la construcción de una película y todo lo que ello conlleva.

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También pude ver SUEÑAN LOS ANDROIDES, de Ion de Sosa. Después de su interesante debut en True Love, el segundo trabajo de Sosa apuesta por la ruptura, concentrada en una película que mezcla varios conceptos, una adaptación de la novela de Philip K. Dick (de la que coge la mitad de su título) que se decanta por las zonas muertas del relato, donde se profundiza en la situación y la complejidad de los personajes, o también puede verse como un film ensayo donde el espacio juega un papel importante, creando una irrealidad difícil de digerir en el interior de cada plano. O finalmente, también podríamos verla como una mirada sobre la crisis económica, donde vemos una ciudad, Benidorm, reflejo de la codicia constructora, habitada por mayores de fiesta, y unos androides que se sobreviven en trabajos precarios, y encima, el sistema los elimina. Un trabajo que bebe del género, la ciencia-ficción y el policíaco, pero también en lo social y el esperpento de una sociedad sumida en una pesadilla eterna. Me llamó mucho la atención el cortometraje PUEBLO, de Elena López Riera. Situado durante una larga noche que parece no tener fin, seguimos los pasos confusos y meditabundos de un joven que vuelve a su casa. El chico parece desorientado y no reconoce a su pueblo ni tampoco a sí mismo. La directora va mezclando estás imágenes con las de la procesión de semana santa, donde la liturgia católica deja paso a la incertidumbre y el desamparo de alguien que ya no sabe quién es, y para más confusión, lo que le rodea se ha convertido en un lugar extraño y vacío. También me acerqué a conocer el cine de Hubert Sauper. Fui a la proyección de la Filmoteca de WE COME AS FRIENDS. El cineasta austríaco, afincado en París, vuelve a África, y siguiendo el espíritu que recogía su aclamado y deslumbrante documental de La pesadilla de Darwin, filmado en el 2004, se construye un avión y viaja hasta Sudán, un país dividido en dos por la guerra civil, y ahora liderado por los unos genocidas que malvenden su tierra a los colonizadores extranjeros, estadounidenses y chinos, que vienen como amigos, alusión del título, para robar impunemente y llevarse el oro y el petróleo, mientras el pueblo, vive sumido en la pobreza y la miseria. Una película brutal, sin concesiones, donde Sauper filma de manera directa y honesta los rostros y las personas, y también los amos del mundo, que no se detienen ante nada con el firme propósito genocida y colonialista de conseguir los recursos de los países. Una cinta para la reflexión, que denuncia y clama ante los poderosos y la injustica. Dos horas de cine grandioso que escarba y desentierra las heridas que siempre vuelven, que no se van nunca, que simplemente se ocultan o dejan de mirarse.

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Para cerrar esta 22 edición, L’Alternativa nos preparó un cierre de grandísima altura, un final protagonizado por LA ACADEMIA DE LAS MUSAS, de José Luis Guerin. En la que el cineasta sigue, como en sus anteriores obras,  empeñado en una búsqueda incesante de la narrativa cinematográfica y de todos sus elementos en pos de una forma de contar que convierta cada película en un viaje lleno de incertidumbre, descubrimiento y conocimiento. La película arranca en una aula de la universidad donde un profesor habla de poesía y de Dante a sus alumnos. A partir de ese instante, la palabra y el gesto se adueñaran de la película y los personajes se cuestionaran a sí mismos el valor de la poesía como medio para enfrentarse al mundo, síntomas e ingredientes que recuerdan al cine de Rohmer. Una película filmada a modo documental en su arranque, para derivar en una muestra de la sorprendente capacidad de Guerin para transformar la cotidianidad en un universo lleno de paradojas, incertezas y caminos por andar que invitan a reflexionar sobre el saber, y la validez y vigencia de los maestros clásicos, y sus enseñanzas en las relaciones personales de hoy en día.

La excelente película de Gerin cerró la 22 edición de L’Alternativa, un fin de fiesta extraordinario, que colgó el cartel de no hay billetes en la sala Chomón de la Filmoteca, como ocurría antaño en algunas sesiones de cine en la ciudad. Esperemos y deseemos que sea un augurio para la vida de este festival tan querido y necesario por el público que se ha acercado a descubrirlo y compartirlo, y no sólo asistiendo a las proyecciones de la variadísima programación, sino a las mesas redondas donde se ha dialogado y discutido sobre el cine y sus diversas herramientas y consumo, los talleres para todos, las sesiones gratuitas de la Alternativa Hall, o la maravillosa y pedagógica Masterclass del cineasta Hubert Sauper. Actividades que no sólo alimentan el espíritu curioso y transformador de todos los que asistimos, sino también el de una ciudad tristemente abocada al turismo suicida, en la que los festivales culturales, como este, y demás que existen en la ciudad, vienen a ofrecer corrientes, caminos y alternativas para todos aquellos que deseen disfrutarlos.

Encuentro entre Agnès Varda y José Luís Guerín

Conversación entre los cineastas Agnès Varda y José Luís Guerín. El encuentro tuvo lugar el sábado 18 de octubre de 2014, en la Biblioteca Singuerlin de Santa Coloma de Gramenet, dentro de la 9ª Jornada del Cineclubisme Català. Moderador y traducciones: Julio Lamaña (Federació Catalana de Cineclubs). Las fotografías que ilustran la publicación y grabación son obra de Óscar Fernández Orengo.