El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata

poster_elcuentodelaprincesakaguyaLA PRINCESA TRISTE.

El vigésimo primero largometraje del maravilloso y sublime Studio Ghibli retoma un viejo proyecto de hace más de medio siglo de la Tohei Animation, que se basa en un cuento popular llamado El cuento del cortador de Bambú. Isao Takahata (1935, Mie, Japón) cofundador junto a Hayao Miyazki de Ghibli, que creció en el Studio Tohei, y realizó su primera película en 1968, responsable de series de la talla de Lupin III, Heidi o Marco, y realizador de excelentes largometrajes como La tumba de las luciérnagas o Recuerdos del ayer, entre otras, es el responsable de llevar a imágenes la complejidad del espíritu del cuento. El cineasta nipón emprende, en su quinto trabajo como director, la aventura de adaptar un cuento tradicional sobre una heroína desdichada que viene de otro mundo. Las técnicas de animación y dibujo que utiliza Takahata y su equipo recuperan el estilo tradicional japonés Yamato-e de la pintura sobre pergamino, construyendo unas láminas de exultante belleza, trabajando una animación artesanal, muy alejada de las técnicas actuales, un dibujo hecho a mano, en el que predominan los blancos, trazado con carboncillo, y coloreado con acuarelas, en el que prima el detalle y la intimidad, deudor de la pintura impresionista de los Matisse o Monet, en las que consiguen impregnar un relato extraordinariamente poético, que nos envuelve de forma apabullante, hipnotizándonos por ese mundo rural donde crece esta niña que surge de un tallo de bambú.

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El ambiente y agitación de los primeros años, y su rapidísimo crecimiento descubre a una niña diferente y dotada de un aura especial, una vitalidad asombrosa que contagia de forma sencilla y natural, en el que su vida se manifeiesta a través de los juegos con los demás niños, el descubrimiento maravilloso de ese mundo apasionante de la naturaleza, en el que luce el sol, la luna, los animales, las plantas, y todo el esplendor y belleza de la plasticidad con que Takahata nos lo cuenta, centrándose en el mínimo detalle, el gesto que acaricia los encuadres y planos, la brisa que suena, el movimiento de las ramas, la alegría del instante, y el trabajo diario en el bosque de bambús, y sobre todo, la luminosidad de esa vida feliz y cotidiana junto a sus padres adoptivos y sus amigos. Takahata consigue traspasar el alma de la protagonista, debidamente acompañada con la música abrumadora del gran Joe Isaishi (un habitual de Ghibili), una princesa Kaguya que debido a su irreparable destino, se traslada a la ciudad para convertirse en un miembro de la realeza, con una nueva educación, una institutriz que la sigue a sol y sombra, y rodeada de lujo y riqueza, y expuesta para encontrar esposo, el alma alegre y feliz del campo se convierte en un ser triste y desdichado en el palacio de la ciudad.

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Takahata edifica su película desde el punto de vista de la niña, un ser condenado a su destino, a convertirse en quién no quiere, en la persona que no la hace feliz, dejando atrás aquella libertad y felicidad del tiempo en el campo rodeada de sus amigos. Takahata, fiel a sí mismo, y siguiendo la senda de las producciones Ghibli, no sumerge en una historia sobre una heroína triste y atrapada, en la que su existencia se vuelve contra ella, sumiéndola en una vida sin ilusión ni tiempo. Aquí, como ocurre con otras heroínas de la compañía, la niña Kaguya encontrará la manera de soportar su vida y se las ingeniará para sortear los envites que el deseo paternal les pone en su camino, con ese afán enfermizo para que encuentre marido y se case. La joven de exquisita belleza e indudable inteligencia sabrá batallar contra aquellos pretendientes que vienen a agasajarla con su orgullo y tesoros. El cuento de la princesa Kaguya se erige como otra muestra apabullante del trabajo del Studio Ghibli, una compañía que ha conseguido alimentar de sabiduría y generosidad el cine no sólo de animación, sino el cine en general, unas películas de extremada belleza, contadas con una magia envolvente que nos devuelve el cine de los pioneros, el cine en el que se primaba la emoción que exploraba las condiciones humanas desde una mirada poética.

El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi

poster_elrecuerdodemarnieDOS ALMAS EN UN TIEMPO.

En 1984 con Nausicaa del Valle del Viento, se colocaba la piedra fundacional que dos años más tarde sería el Studio Ghibli (fundado por Hayao Miyazki e Isao Takahata) que arrancaría con El castillo en el cielo. A partir de este momento, sus producciones de animación de la excelsa compañía se convertirán en un referente mundial en el mundo cinematográfico. Títulos del prestigio de Mi vecino Totoro, Porco Rosso, La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro o El viento se levanta, son sólo algunos ejemplos de la calidad y hegemonía de una producción brillante que ha atesorado premios tan importantes como el Oso de Oro en la Berlinale o el León de Oro en Venecia, por citar algunos. Sus películas están protagonizadas, principalmente, por jóvenes heroínas con dificultades físicas o emocionales que, se enfrentan a un mundo hostil en que no encajan, y ellas, al sentirse desubicadas, animadas por ese espíritu de inteligencia y fortaleza interior, encuentran su libertad y bienestar emocional a través de la fantasía. Una fusión ejemplar entre la realidad y la fantasía para escapar de una realidad difícil y adversa, fundamentada en una animación clásica, en la que priman los colores y la definición de las formas, y la naturaleza, su diversidad y belleza, actúa como el escenario esencial de unas historias humanistas y poéticas.

Hiromasa Yonebayashi (1973, Ishikawa-Ken, Japón) uno de sus jóvenes valores, que había debutado con Arrietty y el mundo de los diminutos (2010), vuelve a la dirección con una obra que habla sobre la amistad, el dolor, y la memoria. Basada en la novela infantil de gran éxito, Cuando Marnie estuvo allí de Joan G. Robinson (autora inglesa preferida de Miyazaki), nos lleva a Anna, una niña de 12 años aquejada de asma y encerrada en sí misma, su madre adoptiva opta por enviarla durante el verano junto a unos parientes a Hokkaido, un pueblo junto al mar. Anna se refugia en el dibujo y sus pensamientos, la soledad le lleva a dibujar junto al pantano, y lentamente, se sentirá atraída por una casa de piedra abandonada. Allí, en ese lugar, sin tiempo ni lugar, conocerá a Marnie, una enigmática niña con los mismos conflictos que ella padece.

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La última producción de Ghibli hasta la fecha (después del anuncio de Retirada de Miyazaki, el estudio se encuentra en fase de reestructuración), nos acerca a dos almas doloridas, que arrastran un pasado brutal, una vida llena de ausencias, Anna es huérfana, y Marnie tiene unos padres que continuamente están viajando. Las dos niñas se enfrentan juntas a ese vacío y ausencia, el dolor que sienten se comparte juntas en una amistad llena de alegría. Un encuentro mágico y libre que les ayuda a superar sus miedos y reencontrarse consigo mismas. Yonebayashi sigue el camino de sus maestros, contándonos una película llena de encanto y belleza, en la que realidad continuamente se mezcla con la fantasía, en un tiempo que no existe, que late en el interior de los personajes, en un espacio en que los sueños se materializan y forman parte de la cotidianidad. Dos almas enfrentadas a un entorno complejo que, a través de su complicidad y sus encuentros lograrán sentirse ellas mismas, y escapar de los adultos (que como suele pasar en las películas del Studio no consiguen entenderlas) y disfrutar de su vitalidad y amor, para aliviar un interior dañado por los miedos y la ausencia de cariño.

El viento se levanta, de Hayao Miyazaki

Kaze-ga-Tachinu-cartel-620x875Hermoso canto a la vida

¡Le vent se lève!

Il faut tenter de vivre.

 (¡El viento se levanta! Hay que intentar vivir)

Paul Valéry

La frase extraída de la estrofa final del poema “El cementerio marino” del genial poeta francés, abre y actúa como leit-motiv en la nueva película de Hayao Miyazaki. El maestro de la animación vuelve a regalarnos una espectacular sinfonía visual de extraordinaria belleza y construida con extrema delicadeza, intimidad y detalle. En esta ocasión, Miyazaki se basa en su manga que, a su vez, está inspirado en una novela corta de Tasuo Hori, en la que se centra en la figura de Jirô Horikoshi (1903-1982) diseñador aeronáutico que creó los cazas japoneses que participaron en la 2ª Guerra Mundial.   Miyazaki haciendo alarde de su desbordante e infinita imaginación nos cuenta la vida de Jirô, desde su infancia en la que sueña con ser piloto, hasta la edad adulta, en la que se convertirá en el ingeniero más importante de la compañía Mitsubishi. Estamos ante la película más realista del cineasta japonés, y la primera centrada en un personaje histórico, otra de las novedades más significativas con respecto a su obra anterior es que la habitual linealidad del relato, deja paso a una estructura compleja, con abundantes capas y saltos en el tiempo. Su discurso sigue centrándose en los temas que caracterizan toda su obra: un  marcado antibelicismo, el hombre y la naturaleza, el individualismo y la responsabilidad. El viento, elemento indispensable en su filmografía, vuelve a tener relevancia en esta película, cómo lo había tenido en su segunda película,  Nausicaá del valle del viento (1984), la que podríamos considerar la primera de su compañía Ghibli, si bien el sello fue creado dos años después, esta película funciona como piedra angular de las líneas temáticas y formales que desarrollará en el resto de su obra. Porco Rosso (1992), ambientada en los años 30 y protagonizada por un cerdo aviador, podría ser vista como una predecesora de El viento se levanta. El extraordinario talento del director japonés para mezclar la realidad y la fantasía, fusionándolas en un nuevo y novedoso mundo donde todo es posible, y a la vez, se erige como refugio para soportar las tristezas y pérdidas de la vida.  El viaje de Chihiro  (2001), cénit de su carrera (Oso de Oro en Berlín, Oscar y reconocimiento de su trayectoria en Venecia) sería la obra cum laude de su filmografía. En El viento se levanta, los sueños del protagonista le ayudan a seguir manteniendo su ilusión e imaginación, a pesar de las circunstancias negativas que tiene que vivir: el terremoto de Kanto, de 1923, la gran depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la 2ª Guerra mundial. Miyazaki crea secuencias bellísimas donde mezcla de forma brillante el lirismo, la épica y la tragedia a lo largo del relato. Destacan la reconstrucción del terremoto, las superpobladas ciudades, la poesía visual de las escenas campestres, y las protagonizadas por Jiro y Nahoko, la pareja protagonista y las ambientadas en el hotel de verano y su juego íntimo con el avión de papel, donde se evoca a Thomas Mann y su libro La montaña mágica. Miyazaki es un gran artesano y humanista del cine como lo fueron Renoir, Rossellini u Ozu, sus películas respiran vitalidad y humanismo, son trozos de vida alegre y desbordante, donde tanto sus personajes imaginarios y fantásticos (Porco, Totoro, Gato autobús, Dios ciervo, Princesa pez, etc…) como sus niños/as manifiestan una extraordinaria ilusión por la vida y por el mundo de los sueños. El verano pasado, Miyazaki anunció su despedida del cine, quizás continuará creando historias pero en su actividad preferida, ilustrador y dibujante de manga. Nos deja sus 11 magníficas películas, (acompañadas de la maravillosa música de su inseparable Joe Hisaishi), que seguiremos devorando con esa mirada propia de los niños, que siguen creyendo que los sueños es el único camino posible para que las cosas se conviertan en realidad, pero sin que esos sueños se transformen en nuestras peores pesadillas.