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Todo lo que fuimos, de Cherien Dabis

LA HISTORIA DE MI FAMILIA PALESTINA. 

“Soñaré, no para fijar ningún significado externo. Más bien, para restaurar mi interior abandonado”. 

Mahmoud Darwish

Las dos películas anteriores de Cherien Dabis (Omaha, Nebraska, EE. UU.,  1976), son Amreeka (2009), con una madre palestina y su hijo intentando tener una vida en un pequeño pueblo de Illinois, y May in the Summer (2013), con una escritora de éxito que vuelve a su Jordania natal y se encuentra con una realidad muy diferente. Su tercera película como directora Todo lo que fuimos vuelve a Palestina para construir un fresco protagonizado por una familia a través de tres generaciones bajo la atenta mirada de un niño Salim, arrancando en 1948, con la creación del estado de Israel y la precipitada huida del citado niño y su familia. Después pasamos a 1978, con Salim adulto y padre y los problemas que tiene con su hijo, su mujer y su padre en un campo de refugiados en Cisjordania ocupada, y finalmente, llegamos a 1988, cuando el hijo de Salim sufre un disparo del ejército israelí. Tres momentos que definen la tragedia palestina bajo el foco de una familia como otra cualquiera que lleva casi ochenta años sufriendo la ocupación. 

La directora, también actriz, recientemente la vimos en Eagles of th Republic, de Tarik Saleh, construye una excelente historia, marcada por el humanismo y la intimidad que crea en cada situación que se plantea, en la que huye de los grandes nombres y momentos de la historia para centrarse en lo que no se ve, en lo invisible, en todos aquellos seres anónimos que son parte fundamental de la historia en mayúsculas, pero que nunca son mencionados. La película sirve también para eso, visibilizar lo más cercano y natural, a todas aquellas personas, las que nunca aparecen en los libros de historia ni se les dedica ninguna calle o plaza o cosas por el estilo. Personas que viven como pueden a pesar de todo, que se enamoran, que crean familias, que están y tienen nombres y apellidos. Una familia es la protagonista del relato. Una familia que define con profundidad la historia de Palestina durante la segunda mitad del siglo XX y todas las heridas y huellas que siguen heredando unos de otros en una historia que entra dentro de las casas, dentro de unas vidas con miedo, llenas de incertidumbre y también, de memoria, recuerdos y algo de esperanza. 

Dabis se ha rodeado de grandes nombres como el cinematógrafo Christopher Aoun que, a pesar de su corta filmografía, ya ha trabajado en películas tan extraordinarias como Cafarnáum, de Nadine Labaki y El hombre que vendió su piel, de Kaouther Ben Hania, entre otras. Su luz busca la cercanía y lo natural, huyendo de la artificialidad y explorando los rostros y los cuerpos de los diferentes personajes, en unos espacios reducidos, en una atmósfera de inquietud en el que se encuentran los mencionados protagonistas. La música está firmada por un grande como Amine Bouhafa, con más de 70 títulos en su extensa filmografía, que le ha llevado a trabajar para el citado Ben Hania, Philippe Faucon, Rachid Bouchareb y Abderrahmane Sissako, entre otros. Una música que recoge lo más íntimo, lo humano y lo cotidiano en una historia que abarca casi ocho décadas. El montaje lo firma Tina Baz, que tiene en su curriculum a nombres tan interesantes como Naomi Kawase con la que ha hecho 6 películas, y Abdellatif Kechiche. Una edición con fuerza y nada artificiosa, en un trabajo excelente ya que recorre con astucia y detalle los pormenores de una familia que pasa de padres a hijos y a nietos en sus 145 minutos de extraordinario metraje. 

Un elenco que transmite pureza, mucha fuerza y sensibilidad en sus personajes empezando por la propia directora que se reserva el papel de Hanan, el personaje que nos cuenta la película y esposa de Salim interpretado por Saleh Bakri, un actor que hemos visto en La banda nos visita, La sal de este mar, y las más recientes Costa Brava, Líbano y El caftán azul. El personaje de Sharif, padre de Salim, clave en la historia, es desdoblado en dos intérpretes. Adam Bakri, hermano de Saleh, lo hace cuando es joven que fue uno de los protagonistas de Omar, de Hnay-Abu Assad, y de Ali y Nino, junto a Maria Valverde. Mohammad Bakri lo hace de mayor, un excelente actor, padre de Saleh y Adam, con una carrera extraordinaria junto a Costa-Gavras, Amos Gitai, los hermanos Taviani, y el citado Saleh. Ver una película como Todo lo que fuimos, de Cherien Dabis, no es solamente una lección de historia para ignorantes, sino que es un acto de humanidad que celebra un país secuestrado e invadido como Palestina, y es un acto revolucionario en estos tiempos actuales donde el pueblo palestino ha vuelto a ser azotado ferozmente con un genocidio de violencia y asesinatos impunes. El cine no tiene la capacidad de parar guerras, pero si tiene la capacidad de mostrar a personas y sus historias, por muy oscuras y terribles que sean, así que celebramos una película como esta, porque el cine si sirve de algo es para dejar constancia de lo humano y sus circunstancias. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Namrud, de Fernando Romero Forsthuber

LA CANCIÓN PROTESTA.

“Huele algo, no es un buen olor. /Huele como a gato muerto. /Lo he buscado, pero no he podido encontrarlo. /No puedo vivir con este olor. /Tienen un plan para mí que tengo que descifrar. Antes de que caven un hoyo y  me tiren dentro”.

Jowan Fafadi es un músico palestino-israelí que tiene como nombre artístico Namrud, término  que  hace  alusión  al  personaje  bíblico  que  construyó  la  Torre  de Babel  donde,  según  el  Génesis,  convivía  en  paz  toda  la  humanidad  antes  de  esparcirse  por  el  mundo cuando  aparecieron  los  idiomas  y  las  etnias. Namrud es un artista que hace música protesta junto a su banda “Fish Samak”, letras de crítica social que aluden directamente a la ocupación y el hostigamiento del gobierno israelí contra el pueblo palestino. Una música que le ha llevado a estar varias veces arrestado y juzgado, pero Namrud  no se amínala y sigue en sus trece, hablando de política y de todo aquello que le sacude de su alrededor con el fin de hacer una tierra mejor para él y los suyos, cantando a sus ancestros, las contradicciones y el no futuro que se respira en la zona, que desde 1948, cuando se declaró el estado de Israel,  y posteriormente en 1967, vive una situación de ocupación por parte del Estado de Israel en su afán de expulsar a todos aquellos diferentes de raza o religión.

La película de Fernando Romero Forsthuber (Sevilla, 1983) que ha crecido en Viena y se ha formado como cineasta en Austria, se estructura en forma de diario íntimo y cotidiano del músico al que seguimos incansablemente en su vida diaria, junto a su hijo adolescente Don. La cámara de Romero no juzga lo que ve, solo filma esa proximidad desde todos los ángulos posibles, sin entrar en ningún momento en el modus viviendi, tanto artístico como personal del músico, si hay respeto y admiración hacia alguien que utiliza la música como protesta y crítica contra el sistema establecido, como vía de comunicación política y social para acceder al pensamiento de la población, para arma de conciencia en una sociedad demasiado acostumbrada al conflicto y la confrontación, unas gentes que viven azotadas diariamente por el invasor israelí, y también, a todos aquellos que aplauden y apoyan esa política de aplastamiento y desaparición contra el pueblo palestino.

Quizás la frase que mejor define el espíritu de este músico underground, y muy famoso en las redes sociales, de actitud rebelde, libre e incomprendido sea la que escuchamos en un momento en la película: “Cuando la mentira es mainstream, la verdad resulta provocativa”. Jowan Safadi, alias Namrud, es un hombre-músico que vive y respira en una tierra ocupada, que años atrás, muchos más, quizás demasiado, vivió otra realidad, como se cuenta en boca de algún familiar mayor del músico, una tierra llena de sangre y muchas heridas, cercada incomprensiblemente, como demuestra el arranque de la película cuando Namrud señala, en los lugares fronterizos, las divisiones creadas y la importancia de nacer en un lado u otro, una circunstancia que modifica toda la existencia de alguien. Safadi habla en sus canciones de cualquier tema político, desde una situación e libertad y generosidad hacia aquellos que sufren o aquellos que no tienen voz, explica realidades cercanas como las políticas sangrientas y fascistas del gobierno israelí, los árabes que fueron entonces y ahora se sienten israelíes y claman a favor de las expulsiones, dispara sin piedad a todos aquellos que defienden las fronteras, divisiones y demás hostilidades de la zona, y a los que olvidaron para sentirse más israelíes y otros que se defienden de los suyos para sentirse más cercanos a los israelíes, actitudes falsas, hipócritas y viles, explicando un pasado que nunca existió y ayudando al invasor.

Safadi tiene que lidiar con un hijo rebelde y vago, un chaval que le ayuda con sus canciones, a escucharlas y opinar sobre ellas, que lo admira, pero también, quiere vivir su propia vida a pesar de su corta edad, con su boxeo y su carácter, además de todo eso, el músico hace música, toca en conciertos, ve a su familia y amigos, rueda videoclips, asiste a manifestaciones de protesta y se implica en su sociedad a todos los niveles, moviéndose bajo unos ideales en los que cree, sentimientos humanistas, un músico que cree en lo que hace y piensa en la música como herramienta necesaria y fundamental para derribar fronteras, tender puentes, aniquilar nacionalidades y construir verdades acercando a los seres humanos, a unos y otros, mirándolos en su interior, sintiéndose cercano a todos ellos, y creyendo que la música puede ser un vehículo admirable y brutal para acabar con tantas diferencias estúpidas y falsas. JOSÉ A. PÉREZ GUEVARA

Hotel Cambridge, de Eliane Caffé

LA BABEL DE LOS DESHEREDADOS.

“Brasileño, extranjero, todos somos refugiados.

Refugiados porque no tenemos derechos”.

La apertura de la película nos muestra diversas imágenes de edificios abandonados en la ciudad de Sao Paulo, en Brasil. En un instante, se centra en uno de ellos, uno que tiempo atrás albergo un hotel lujoso, y nos introducimos en su interior. El lugar muestra limpieza y orden, y en su entrada, tras un mostrador, unos que salen y entran se apuntan en un control, seguimos a los que acaban de entrar y empezamos a descubrir lo que se cuece en el edificio y conocemos a sus moradores. La directora Eliane Caffé (Sao Paulo, Brasil, 1961) psicóloga de oficio y cineasta de vocación, ha centrado su cine en explorar las zonas de conflicto sociales, tanto en el ámbito rural como en el urbano, construyendo una filmografía muy interesante sobre los conflictos que afectan a los ciudadanos de su país. En Hotel Cambridge vuelve a profundizar sobre los mismos temas enfrentándonos a la cotidianidad de un grupo de desplazados que ocupan un hotel en desuso, organizándose entre todos a nivel cooperativa, donde encontramos a brasileños sin techo, desahuciados, sin recursos, y demás gentes excluidos por un sistema fascista, sangrante y demoledor con los de abajo,  por el otro lado, encontramos refugiados, palestinos, sirios, libios, africanos, colombianos, y demás nacionalidades que han huido de la guerra de sus países de origen para labrarse una vida, y sobre todo, tener un futuro en sus vidas.

Vidas de seres sin hogar y sin vida, organizados a través de asambleas donde deciden la convivencia, que a veces se muestra difícil y conflictiva, debido al choque de culturas, religiones y diversas maneras de vivir y afrontar los problemas cotidianos. Entre todos ellos, emerge la figura de Carmen Silva, una cincuentona brasileña que se ha convertido en la líder de la comunidad, ordena la convivencia y los diversos quehaceres, siempre desde el diálogo y la armonía, que en ocasiones cuesta de mantener. También, encontramos a Hassam, un refugiado palestino poeta que ayuda a otros árabes haciéndolos pasar por familiares, y vive angustiado por la difícil situación que atraviesa su pueblo, Ngandu, que viene del Congo, vive entre los problemas familiares que ha dejado en su país, y los conflictos que se crean en su nueva existencia en el extranjero, con una incipiente historia de amor. Apolo, brasileño y actor en paro, se refugia en sus actividades de teatro y sus obras “vivientes”, con una actividad frenética y excitante. Gilda, una anciana retirada artista circense, participa con alegría a pesar de sus lagunas de memoria, Krak, es un africano “arregla todo” que se encarga del mantenimiento del edificio, por citar a aquellos que la cámara les ofrece más protagonismo.

Caffé cimenta su película contando un relato de ficción que arranca con la amenaza de desahucio, a través de secuencias extraídas de las propias vidas de sus personajes, unas personas que conviven con la fecha del desahucio en el horizonte, unos individuos que se organizan para rescatar muebles antiguos, encontrar nuevos inmuebles que ocupar y vidas que conviven entre los diversos conflictos, preocupaciones, y esperanzas, y con el amor y la amistad que se desarrollan entre ellos, una vida en la incertidumbre constante, entre internet y skype, con una mirada hacia su país que dejaron y el país de acogida que presenta las dificultades con las que tienen que lidiar. La cineasta brasileña se inspira en el Toni, de Renoir, en la captura de lo real a través de la ficción, utilizando todos los elementos naturales, y sin adornos técnicos, para de esa manera crear un relato que funciona como documento antropológico de una realidad durísima y demasiado cotidiano en este mundo globalizado y deshumanizado, y también, como una ficción con su estructura dramática, con el conflicto del desahucio como elemento principal. Características formales y de fondo que también encontramos en El árbol de los zuecos, de Ermanno Olmi, en el que contando con campesinos desarrollaba las duras condiciones de la vida rural de finales del XIX, y más reciente, en En construcción, donde José Luis Guerin, utilizaba la transformación arquitectónica del barrio chino para explorar como afecta a la vida cotidiana de sus vecinos.

Caffé ha logrado una película de imágenes vivas, poderosas, serias y apabullantes, donde logra una autenticidad brutal, dentro de un entramado sencillo y muy elaborado, a la vez, contándonos las diferentes e innumerables existencias que se mueven en ese edificio sin fin,  donde se respira realidad digna de admiración, alejada de lo establecido, creando focos de debate, donde otro mundo, aunque sea difícil, es posible (como lo demuestra el FLM, el movimiento de lucha social por la vivienda, creado en Brasil) donde sus imágenes se agarran en nuestro interior, mostrándonos todo aquello que los poderosos nos niegan, imágenes que penetran en nuestra conciencia, muy alejadas del tratamiento banal de los informativos occidentales, donde la criminalización que hacen de estos colectivos que ocupan edificios es una constante de la “información” promovida y financiada por los grandes capitales. Un relato que nos atrapa desde el primer instante, sin caer en ningún sentimentalismo facilón, porque en la película de Caffé hay espacio para el diálogo, el conflicto, la lucha y sobre todo, la fuerza de unos seres, desgraciadamente invisibles, que pelean por sus derechos y por ser reconocidos, a través de su movimiento social, en un mundo egoísta y carente de humanidad y solo preocupado en amasar dinero a costa de los más desfavorecidos.